Goliath, David et la quarantaine : histoire d'une victoire en demi-teinte, origines bibliques d'un chiffre hautement symbolique.
La vidéo : Clic! Clic! David et Goliath
En savoir plus
sur le tableau qui a inspiré la gravure ci-dessus (gravure anonyme d'après Guido Reni - Metropolitan museum- NYC)
sur l'histoire du tableau de David conservé au musée des beaux-arts d'Orléans
écouter sur les ondes
voir les oeuvres de Christophe Charbonnel
Expo Caravage à Chartres !
Les visites guidées vous manquent ......Voici une première sortie avec mes compagnons de confinement !
Nous nous associons à ce jeu lancé sur les réseaux sociaux et qui consiste à mimer, interpréter les oeuvres des musées.
La peinture choisie est consacrée à deux tableaux du Caravage illustrant le thème de "la diseuse de bonne aventure", l'un se trouve au musée du Capitole à Rome, l'autre au musée du Louvre. Et nous en avons composé un troisième, désormais exposé à Chartres ...
Pour en savoir plus :
un long article sur l'image des femmes et des bas-fonds
https://www.louvre.fr/oeuvre-notices/la-diseuse-de-bonne-aventure
La chasse, un face à face ancestral. Les destins croisés de l'homme et de l'animal ont nourri l'art et ses représentations depuis l'aube de l'humanité. A la Renaissance, Piero di Cosimo (1462–1522), peintre asocial et solitaire, imagine une scène de chasse primitive où l'humain et l’animal fusionnent.
Peint à Florence à la fin du 15e siècle, ce sujet est inspiré par un texte composé au cours du 1er siècle avant notre ère et redécouvert à la Renaissance: De Rerum Natura (De la nature des choses). Son auteur, le philosophe Lucrèce, tente d'y expliquer la nature du monde, de faire le point sur l'histoire, les religions.
La représentation du peintre associe la figure du monstre, mi-homme, mi-animal, à l'être primitif, et livre ainsi une version de l’évolution humaine qui n'est pas celle de l'Eglise. Dans cette chasse où l’on ne sait plus qui fuit et qui assaille, l'affrontement cynégétique symbolise toutes les luttes émaillant le destin humain et qui - à leur paroxysme - renvoient l'homme au rang de l'animal.
Scène de chasse - 1485-1500 - Piero di Cosimo (Piero di Lorenzo di Piero d'Antonio - Metropolitan museum - New York - CC0
ART&CHASSE Chassé-croisé - Anne Chevée - Editions du Gerfaut - 2018
A la veille de la Révolution, les grandes prisons parisiennes offraient un triste inventaire des abus et des défaillances de la politique carcérale.
Marie-Antoinette sortant de la prison de la Conciergerie le 16 octobre 1793 - Georges Cain - Musées de la Ville de Paris. Parmi elles, la Conciergerie, ancienne demeure royale qui fut l'une des plus importantes et des plus sévères accueillait près de 800 détenus par an.
C'est au 14e siècle que débute l'histoire de cette geôle. Elle tient son nom du logement du Concierge, personnage important et proche du roi, qui résidait là. Aux heures les plus sombres de la Terreur, le terrible Fouquier-Thinville y exerça la fonction d'accusateur public. Plus de 2700 personnes condamnées à mort y "séjournèrent" avant leur départ vers l'échafaud. La reine Marie-Antoinette, le poète André Chénier, les 21 députés girondins déclarés coupables de conspiration contre la République et Robespierre figurent ainsi sur la liste des pensionnaires les plus célèbres.
Au 19e siècle, conformément aux intentions de Louis XVIII, une chapelle fut construite à l'emplacement de la cellule où la reine vécut ses derniers jours. Jugée de manière expéditive, c'est là, au retour du tribunal à 4h du matin, qu'elle passa ses dernières heures avant son exécution à midi et quart.
Prochain sujet du cycle Tout connaître de Paris, mardi 10 mars et mercredi 11 mars : "76 jours à la Conciergerie" - mardi 17 mars et mercredi 18 mars : "Les dernières heures de Robespierre"
Sous Henri IV, la France qui sort d'une longue période de troubles civils, peine à être le foyer artistique qu'elle fut sous François 1er.
Pourtant dès 1604, soucieuse de glorifier l'action de son époux, Marie de Médicis propose d'offrir à la ville de Paris une statue équestre du roi, érigée à la pointe de l'île de la Cité, sur le Pont-Neuf.
Rompue aux usages des cours italiennes, la reine savait qu'un groupe de ce type, associant guerrier triomphant et cheval, fixerait pour la postérité la figure d'Henri IV.
Malheureusement, de cet ensemble, célèbre dès sa création, il ne subsiste que quelques débris.Victime du vandalisme révolutionnaire, la statue disparut au cours de l'année 1792.
Dès 1814, une version en plâtre fut placée sur le pont et, en 1818 on installa une nouvelle sculpture de bronze. Cette démarche visait à rendre ainsi à Paris son identité royale. L'époque impériale n'ayant pas été avare de monuments symboliques, il sembla nécessaire de contrer la propagande napoléonienne sur son propre terrain. De plus, l'humeur était à la vengeance ! Le nouveau Vert-Galant fut donc coulé dans le bronze de la statue qui surmontait la colonne Vendôme.
On raconte cependant que l'histoire ne s'arrêta pas là. Le fondeur, bonapartiste convaincu, aurait vengé cette profanation en cachant dans le ventre du cheval plusieurs pamphlets contre la Restauration placés dans des boîtes.
L'histoire était assez piquante et les restaurations menées sur la statue en 2004 ont bien révélé la présence de boîtes. Lesquelles contenaient effectivement des documents mais qui étaient liés à la gloire du Vert-Galant ainsi qu'au retour de la royauté sur le trône de France en 1818...
Un dépôt hautement symbolique qui tentait ainsi d'effacer l’œuvre révolutionnaire en re-consacrant le fondateur de la dynastie Bourbon.
Ce sujet sera développé mardi 10 et mercredi 12 décembre 2018 en salle ART'Hist (Cycle Tout connaître de Paris - Les rives de la Seine). A lire grâce aux livrets qui accompagnent ces conférences : dans la collection Promenades parisiennes, "Sur les traces d'Henri IV" et "Les rives de la Seine".
Ils sont quarante académiciens à siéger sous la coupole, reconnaissables à leur célèbre habit vert et au port de l'épée. Une tenue bien particulière, définie en 1801 et qui peut revenir très cher. En 2014, le journaliste Daniel Garcia révélait que la confection de cet habit pouvait coûter plus de 30 000 euros, à la charge du nouvel entrant. Une somme à laquelle il faut adjoindre le coût de l'épée, autre symbole de l'académicien. Celle de Jean Cocteau dessinée par Cartier était sertie de diamants. Et comme la tradition le veut, elle lui fut offerte par ses amis. De très chers liens d'amitié ...
Texte extrait du dernier livret de mes Promenades parisiennes "Les rives de la Seine" - Editions ART'Hist - 9 euros. Disponible au rayon Tourisme de la librairie L'Esperluète à Chartres et sur commande auprès de la FNAC.
Ces livrets sont le fruit d'un cycle de 20 conférences présentées en salle ART'Hist à Chartres d'octobre 2019 à mai 2020 ou en extérieur sur demande.
Capter, restituer de brefs moments de la vie en composant ces "petits riens accidentels, insignifiants" (Kierkegaard, Journal, 1841). Vers 1885, affirmant sa volonté de se démarquer de Rodin, Camille Claudel élabore une série de croquis d'après nature qui ont en commun leur thème inspiré du quotidien et leur petite taille comme ces Causeuses ainsi décrites: "Un coin intime, inexpliqué, indéterminé.[...] Au fond dans l'angle, une femme annonce, par le geste plein de menace et de précaution de sa main droite levée près de sa bouche, qu'elle va parler. Et, autour d'elle, et devant elle, les trois commères, exaspérées de curiosité, tendant vers la bouche entr'ouverte déjà et vers le geste révélateur leur visage gourmand de savoir, impatient de connaître et d'entendre" (Morhardt).
Cette sculpture plus intime, qui parle de femmes, n'est pas nouvelle dans l'art de Camille dont les oeuvres expriment toujours une sorte d'émoi et transmettent une intensité très personnelle. Après l'harmonieuse Valse et le terrible choc de Clotho, il semble que toutes ces femmes composent une métaphore de sa vie.
Alors que La Valse représentait l'amour et l'art - deux forces qui l’entraînèrent avant de la briser -l'effrayante Clotho inspirée de la mythologie bataille avec les longs fils de la vie, prisonnière condamnée par ses sentiments. Quant aux Causeuses, leurs commérages ramènent ce qui fut un torrent d'amour et de création à bien peu de chose.
L'oeuvre : Les Causeuses - plâtre 1893-1905 - musée Rodin, Paris. A propos : Le titre "Ces petites choses nouvelles" est une expression employée par Camille Claudel dans une lettre écrite à son frère en 1893.
Une rue, une statue, une station de métro, un prix en faveur des entrepreneurs commémorent le marchand drapier qui portait les idéaux de la bourgeoisie réformatrice dans les temps troublés de la Guerre de Cent Ans.
Soucieux de garder Paris dans son rôle de capitale afin de préserver les intérêts du tiers-état, Etienne Marcel milite en faveur d'une monarchie contrôlée et pour l'égalité de la bourgeoisie face à la noblesse et au clergé. Devant l'incurie de Jean II le Bon - incapable de résoudre les troubles économiques qui affectent le pays - une idée fait son chemin chez les réformateurs : celle que le royaume serait mieux géré par les états généraux que par la dynastie des Valois.
Le 22 février 1358, Etienne Marcel et 3000 émeutiers envahissent le palais de la Cité. Ils veulent impressionner le Dauphin, figure de l'autorité monarchique depuis que son père a été fait prisonnier par les Anglais.
L'histoire retiendra le geste symbolique d'Etienne Marcel se coiffant du chapeau royal et imposant au jeune homme terrifié le chaperon bleu et rouge aux couleurs des réformateurs.(Détail du tableau de Lucien Mélingue - 1879 - Musée d'Orsay)
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Conférence-lecture d'Anne Chevée
Témoin de notre société, le pain bénéficie d’un statut particulier au sein de l’histoire française. Rassembleur, identitaire ou symbolique, sa consommation et sa représentation nourrissent depuis des siècles l’imaginaire des artistes.
Venez découvrir un inventaire amusant et désordonné inspiré par ce pivot de notre alimentation.
SAMEDI 5 OCT. 2019 / 11H-12H
MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE CHARTRES
Billeterie : https://festival-entremets.fr/produit/dupainsurlesplanches/
Un matériau simple : des bandes de coton brut venu des Vosges. Une matière devenue méconnaissable.
Sous les doigts experts de Simone Pheulpin, les bandes de ce calicot non blanchi sont coupées en bandelettes qu'elle plie et fixe à l'aide de milliers d'épingles. Roulée, pliée, la tranche de ces bandes fait éclore de curieuses formes qui évoquent des fossiles en formation. Un art du plissage étrange, beau et troublant.
Certaines de ses sculptures textiles sont exposées au domaine de Chaumont-sur-Loire. A découvrir lors de la journée Les Basiques Art contemporain ou sur place, à Chaumont.
Posés sur les rives de la Loire ou du Cher, installés en lisière de forêts giboyeuses, sentinelles embellies par des mécènes soucieux d'exprimer leur puissance et leur modernité, les châteaux d'Anet, Amboise et Chenonceau sont les témoins illustres d'une histoire de femmes et de passions.
Rivales en amour, également éprises d’architecture et obstinées, Catherine de Médicis et Diane de Poitiers ont largement contribué à la notoriété de ces domaines. A Amboise, Catherine profite du bon air de la Touraine et fait engager de nouveaux travaux. Berceau de la Renaissance, la résidence reçut les premiers artistes italiens qui firent connaitre le nouveau style dans le royaume de France. Parmi eux, un certain Léonard de Vinci qui repose désormais sous les dalles de la chapelle du château.
Non loin de là, la puissante favorite reçoit le domaine de Chenonceau et entreprend des aménagements somptueux dans les jardins puis sur la rivière où l'on jette les arches d'un pont destiné à recevoir une galerie.
Mais depuis Amboise, Catherine veille et convoite peut-être déjà le domaine chéri de Diane. A la mort du roi, l'ex-favorite est contrainte d'échanger Chenonceau contre Chaumont-sur-Loire. Au grand château féodal, Diane préférera cependant le domaine d'Anet embelli avec soin et où elle rendra son dernier soupir.
Deux femmes, trois châteaux, une époque peu tendre avec la liberté féminine, des histoires d'amour et de pouvoir tissées de vérités et de légendes, à découvrir à travers des conférences et des visites.
Jeudi 11 avril - "Toilette et beauté à la Renaissance" - Conférence en salle ART'Hist à Chartres
Mercredi 22 mai - "Histoires de Diane(s) - Mythes et réalités" - Conférence en salle ART'Hist à Chartres
Jeudi 23 mai - "Le château d'Anet" - Visite guidée du domaine - Anet
Jeudi 13 juin - "Ô les beaux châteaux !" - Conférence en salle ART'Hist à Chartres
Vendredi 14 juin - "Léonard et la Loire" - Conférence en salle ART'Hist à Chartres
Samedi 15 et dimanche 16 juin - "Deux jours en Touraine" - Visites du château d'Amboise, du Clos-Lucé et du château de Chenonceau
Homme à tête de lion, poisson à la queue fleurie, superposition de candélabres et d'escargots ... Bienvenue dans l'univers des grotesques, un art du décor né en Europe à la fin du 15e siècle.
Figures hybrides associant chimères et rêves d'artistes, les grotesques troublent la connaissance du monde que s'approprie alors l'homme éclairé de la Renaissance.
Une faute avouée mais qui ne sera pas pardonnée : elles disparaîtront au lendemain du Concile de Trente.
Lundi 15 avril. 14h30 à 16h30. "Bandes de grotesques !"Atelier pour enfants (7/11 ans) en salle ART'Hist, à Chartres. Qu'est-ce que des grotesques en art ? Où trouver des grotesques à Chartres ? Après une présentation, en salle, des grotesques visibles au musée et dans la cathédrale; atelier de dessin (encre de chine et aquarelle) et confection d'une bande de grotesques. Matériel fourni.
Vieux peuple paysan, l'Egypte conserve dans ses tombes un curieux patrimoine composé de statuettes baptisées oushebtis ou encore chaouabtis. Ces armées miniatures sont composées d'une multitude d'effigies modelées ou sculptées plus ou moins finement. Il s'agit d'esclaves posthumes destinés aux travaux agricoles de la Douat, cette résidence des morts conçue comme une version idéalisée du monde terrestre. Ils garantissaient au mort une profusion éternelle de nourriture dans l'au-delà.
La tombe de Toutânkhamon comportait une vingtaine de statuettes dédicacées ainsi que 393 figures dénuées d'inscriptions mais identifiées comme des travailleurs encadrés par des surveillants. Certaines effigies funéraires en forme de momies représentent le pharaon comme cette élégante statuette en bois. Le jeune monarque est coiffé de la couronne khépresh, taillée dans l'ébène.
Cette statuette en bois habituellement conservée au musée du Caire est visible à la Halle de la Villette, dans l'exposition "Toutânkhamon. Le trésor du pharaon" jusqu'au 15 septembre 2019
L'un est un peintre mondialement célèbre; l'autre son fils, grand cinéaste.
Pierre-Auguste Renoir et Jean Renoir sont au cœur d'une exposition qui explore leurs liens, parfois évidents, souvent complexes.
Sujet de prédilection pour son père, Jean est représenté sur une soixantaine de portraits par le peintre. Parfois costumé, l'enfant joue un "rôle" qui explique peut-être l'origine de son goût pour le cinéma.
Habillé en grand Pierrot blanc, Jean pose de manière joyeuse et contredit ainsi l'interprétation traditionnelle que donnent les artistes de ce personnage, généralement vu comme une métaphore de la solitude. Le Pierrot blanc - 1901-1902 - P.A. Renoir - Detroit
Exposition "Renoir père et fils. Peinture et Cinéma". Musée d'Orsay, jusqu'au 27 janvier 2019
Souriant, à demi renversé sur une peau de bête, un jeune homme étreint de son bras droit le bélier placé derrière lui et se tourne vers le spectateur. Une bien curieuse position pour ce jeune homme, ultime prophète chrétien et futur saint Jean-Baptiste.
Sa position à la fois complexe et sophistiquée n'est pas sans évoquer celles qu'adoptent d'autres jeunes gens au plafond de la chapelle Sixtine, les ignudi de Michel-Ange, éphèbes musculeux aux poses étonnantes.
Un siècle après la Sixtine, c'est aussi un Michel-Ange qui signe cette oeuvre romaine. Sulfureux peintre, Michelangelo Meresi di Caravaggio n'en est pas à son coup d'essai. Comme son célèbre prédécesseur, il évolue dans le monde des commanditaires romains prestigieux, celui des dignitaires ecclésiastiques de haut-rang.
Mais alors que l'on renculotte les postérieurs peints par Michel Ange au plafond de la chapelle vaticane, Caravage dévoile les nudités de nonchalants jeunes hommes, usant et abusant des effets de la veine naturaliste, parfois aux limites de l'acceptable.
Provocateur dans le traitement très naturaliste du corps, Caravage se démarque aussi de l'iconographie traditionnelle. Depuis des siècles, il est d'usage de représenter Jean-Baptiste accompagné de l'agneau, symbole du Christ crucifié. Le bélier - bien qu'animal du sacrifice aussi - ajoute une touche sulfureuse à la toile tout en évoquant un autre sacrifice biblique, celui d'Isaac qui préfigure la mort du Christ.
Une transgression des codes qui vaudra cependant au peintre la célébrité malgré la rupture affichée avec l'idéalisation héritée de la Renaissance.
Cette toile est visible dans l'exposition "Caravage à Rome, amis et ennemis", musée Jacquemart-André. Elle sera commentée en cycle Actualités des expositions.
Visite guidée de l'exposition jeudi 11 octobre 2018 à 12h15 (complet).
La rentrée ART'Hist se prépare ...studieusement...élégamment ... avec ce joli panneau peint par Rogier van der Weyden vers 1435. (National Gallery - Londres)
Promesse de jolies découvertes avec le cycle Approches, le mardi de 10h45 à 11h45.
Lors de la saison 2018-2019, cette séance du mardi sera consacrée à la découverte des moments forts de l'art occidental, du 15e siècle au milieu du 20e siècle.
Reprise des cours mardi 2 octobre. Pour des informations supplémentaires : arthist@ymail.com
Source intarissable de chefs-d'oeuvre depuis l'Antiquité, la mélancolie est un sujet particulièrement passionnant à étudier car il associe deux caractéristiques étonnantes chez certains êtres d'exception: la folie et le génie.
Nommée tristesse romantique, spleen baudelairien ou plus simplement dépression, la mélancolie s'exprime fréquemment par une posture très significative, le menton posé sur la main, symbole de cet état de tristesse pensive.
Quand il s'installe à Auvers-sur-Oise, Van Gogh se lie avec le docteur Gachet dont il laissera un portrait frappant: l'homme de science parait marqué par une profonde tristesse. Veuf depuis plusieurs années, Gachet restait très éprouvé par son deuil. Hyperactif, assez peu orthodoxe dans ses idées médicales comme dans ses idées sociales, il connut des moments de lassitude et de déception. Cet état de découragement a probablement été pour le peintre un motif d'identification.
Il est "aussi découragé, écrit Van Gogh, dans son métier de médecin de campagne que moi de ma peinture". " J'ai trouvé dans le docteur Gachet un ami tout à fait et quelque chose comme un nouveau frère, tellement nous nous ressemblons physiquement et moralement aussi. Il est très nerveux et (...) bizarre lui-même. Ce qui me passionne le plus(...) c'est le portrait, le portrait moderne. Je voudrais faire des portraits qui un siècle plus tard (...) apparussent comme des apparitions. Donc je ne cherche pas à faire cela par la ressemblance photographique, mais (...) employant comme moyen d'expression et d'exaltation du caractère notre science et goût moderne de la couleur."
Gachet avait été attaché à un service de l'hôpital de la Salpêtrière où il avait acquis une réelle expérience de la pathologie mentale et pour sa thèse de médecine, il choisit d'écrire une Etude sur la mélancolie.
A Paris, au 19ème siècle, le mythe de la vie d'artiste devient bien souvent synonyme de vie au café. Bien avant Montparnasse, c'est à Montmartre que rapins et plumitifs sans le sou se réunissent dans ces nouveaux temples de l'intelligence "où souffle l'esprit". Après la Commune et la proclamation de la IIIe République un "pauvre café" de la place Pigalle "fréquenté par tous les mauvais sujets de l'art" devient le lieu de rendez-vous de cette bohème.
Immortalisé par Degas dans un célèbre tableau, le café de la Nouvelle Athènes accueille les peintres Renoir, Fantin-Latour, Caillebotte. Satie joue du piano pour gagner sa vie, Mallarmé bavarde avec Villiers de l'Isle-Adam tandis que Sarah Bernhardt y fait quelques apparitions.
Lieux de rencontre, les cafés furent aussi sources d'inspiration et les témoins muets de la naissance de nombreux courants artistiques.
Ce tableau fera l'objet d'une étude détaillée lors des journées Basiques sur l'Impressionnisme, vendredi 13 avril 2018 et samedi 9 juin 2018.
Jeunes femmes aux mœurs légères, les lorettes habitent au 19e siècle un quartier en pleine évolution situé entre les grands boulevards et Montmartre. Installées autour de l'église Notre-Dame-de-Lorette, elles y gagnent à la fois un surnom - lorette - et une drôle expression liée aux immeubles récemment terminés.
Dès 1783, Louis-Sébastien Mercier, observateur attentif de la vie parisienne, décrit les inconvénients de ces maisons neuves : "Les plâtres que l'on emploie font beaucoup de mal parce qu'ils sèchent difficilement et que l'on habite imprudemment les édifices nouvellement bâtis. De là, des paralysies et autres maladies, dont l'origine est attribuée à des causes étrangères." Et il révèle une coutume bien surprenante : "On abandonne ces maisons neuves et humides aux filles publiques. On appelle cela essuyer les plâtres."
Au siècle suivant, rien ne change ! Contre la promesse de bas loyers, les propriétaires du quartier de Notre-Dame-de-Lorette exigeront que les appartements occupés quelques mois par les filles soient chauffés et les fenêtres bien protégées par des rideaux.
Le temps de faire sécher les plâtres par ces pauvres créatures intégrées - en quelque sorte - dans la grande famille des corps de métier du bâtiment.
Sujet à retrouver dans le tome 5 des Promenades parisiennes : Paris, capitale de l'Amour Deux circuits pédestres au cœur de Montmartre et de la Nouvelle Athènes. Textes et illustrations : Anne Chevée - Disponibles à la FNAC (sur commande) et à L'Esperluète, à Chartres. Prix : 9 euros
Fin lettré, le roi Charles V a exercé son pouvoir de manière subtile et efficace au cœur d'un siècle marqué par les crises.
Récession économique, guerre de Cent Ans, terrible épidémie de peste font de ce siècle, une époque d'incertitudes. Pourtant, malgré les difficultés, une véritable politique des arts s'instaure et la sculpture est investie d'un rôle politique: proclamer la magnificence royale. L'année même de son avènement en 1364, Charles V commande son gisant à André Beauneveu.
Ce sera le premier portrait d'un roi réalisé de son vivant. Le souverain apparaît vêtu comme il l'était le jour du sacre. Son visage nous livre une image saisissante, celle d'un homme de vingt-sept ans précocement vieilli par la maladie. Aussi cruel soit-il, cet exceptionnel chef-d'oeuvre témoigne de la naissance du portrait au Moyen-Age.
Cette oeuvre sera présentée en cycle Approches mardi 27 mars 2018
Considéré comme une finalité en art par la critique bien-pensante du 19e siècle, le Beau s'est parfois révélé très réducteur pour la création artistique.
De nombreux artistes ont pourtant démontré que les images dérangeantes pouvaient introduire un nouveau langage. Basé sur une touche plus dynamique, une palette de couleurs violentes ou une construction anatomique peu flatteuse cet axe créatif conduira à l'art moderne du 20e siècle. Parmi les interprètes de la laideur figurent des personnalités aux aspirations parfois très divergentes comme Goya ou Degas.
Mentor de l'américaine Mary Cassatt, Degas semble avoir transmis cette spécificité à sa protégée. Cassatt n'hésite pas à représenter des personnes sans grande beauté, trop ordinaires. La critique sera telle qu'elle lui vaudra le titre peu flatteur d'"apôtre de la femme laide dans l'art".
Mais si la remarque vaut aussi pour les enfants, force est de constater que cette supposée laideur les rend particulièrement réalistes et beaucoup plus touchants. Mary Cassatt exploite avec brio ce thème modernisé de la mère et de l'enfant. Même si selon les mots d'un critique, elle représente "des femmes laides dans des vêtements curieux et des bébés qui en sont dépourvus".
On connaît le tempérament d'Edgar Degas en société qui, selon son entourage, se montre volontiers "étincelant", voir "insupportable". "Faiseur de bons mots", il emploie avec une certaine délectation boutades, maximes ou blagues à l'encontre des gens de lettre, de l'Institut ou encore des artistes.
Cette liberté de parole se double d'une forme d'objectivité en peinture qui peut parfois surprendre le sujet lorsqu'il le choisit parmi ses proches.Car soucieux du rendu naturaliste des attitudes, le peintre parisien s'appuie sur les capacités expressives de la ligne sans toujours flatter le modèle.
C'est le cas de cet étonnant portrait de l'artiste Mary Cassatt. Bien qu'amis, le peintre français ne la ménage pas et la représente penchée en avant, dans une attitude peu conforme à celle qu'adoptent les femmes élégantes de sa condition. Il souligne ainsi sa concentration mais fait ressortir les traits angulaires du visage de la jeune femme qui parait presque masculine. Une manière un peu brutale chez Degas d'exprimer picturalement ce que lui inspire son amie : malgré sa tenue parisienne, il considère que la jeune femme reste "américaine" avant tout et donc un peu moins civilisée que ses consœurs européennes.
A voir jusqu'au 23 juillet 2018 dans l'exposition du Musée Jacquemart André.
Célèbre pour ses talents de paysagiste, Camille Corot est aussi l'auteur de peintures de figures. Peu connue, cette production ne fut que rarement présentée au public.
Corot y révèle pourtant un usage hardi de la couleur et une touche plus libre que dans ses paysages. Graves, rêveuses ou mélancoliques, les femmes représentées s'inspirent souvent des maîtres anciens comme cette interprétation librement inspirée de La Joconde.
Fruit de sa maturité artistique, on a parfois voulu reconnaître dans cette composition un autre chef d'oeuvre de la peinture occidentale, La jeune fille à la perle de Vermeer. Mais si le titre fait effectivement référence au fameux tableau du maître de Delft, le modèle de Corot ne porte pas de perle. L’élément qui se détache sur son front est en fait une petite feuille de la couronne végétale qui coiffe la jeune femme.
Multipliant les variations autour d'un thème, Corot "décante" le modèle comme le fera Cézanne en reproduisant encore et toujours la montagne Sainte Victoire. Il gagne en monumentalité et renouvelle sa peinture au crépuscule de sa carrière. Une audace comprise par la jeune génération du siècle d'après, celle de Picasso et de Braque qui s'en inspirera.
Sujet présenté lors du cycle Actualités des expositions, en salle ART'Hist, à Chartres.
Exposition "Corot. Le peintre et ses modèles" - Musée Marmottan-Monet - Paris.
"J'habitais le 13 de la rue Ravignan, quand je remarquais un personnage assez particulier qui venait de s'installer dans la maison. C'était Picasso. Il n'avait rien de très séduisant [...] pourtant, son étrange regard insistant forçait l'attention.[...] ce rayonnement, ce feu intérieur que l'on sentait en lui dégageaient une espèce de magnétisme, à quoi je ne résistai pas.
J'étais, disait-on, la santé, la jeunesse mêmes : grande, pleine de vie, de tous les espoirs de bonheur, confiante, enfin vivant d'illusions.
Parfait contraste avec lui !"
Témoin précieux de la vie laborieuse menée par Picasso au Bateau-Lavoir, Fernande Olivier accompagnera le peintre à partir de 1904 à travers les riches années de la période rose et du cubisme. Un temps de créativité mais qui fut aussi celui des jours sans pain et sans feu ..
Sujet développé mardi 9 et mercredi 10 janvier 2018 en cycle Tout connaître de Paris.
Extrait d'une lettre de Gauguin à sa femme, Mette. Mars 1892.
(...) Car je suis un artiste et tu as raison, tu n'es pas folle, je suis un grand artiste et je le sais. (...) Tu me dis que j'ai tort de rester éloigné du centre artistique.
Non, j'ai raison, je sais depuis longtemps ce que je fais et pourquoi je le fais. Mon centre artistique est dans mon cerveau et pas ailleurs et je suis fort parce que je ne suis jamais dérouté par les autres et que je fais ce qui est en moi.
Beethoven était sourd et aveugle, il était isolé de tout, aussi ses oeuvres sentent l'artiste vivant sur sa planète à lui. Vois ce qui est arrivé à Pissarro à force de vouloir toujours être en avant, au courant de tout, il a perdu toute espèce de personnalité et son oeuvre entière manque d'unité. Il suit toujours le mouvement depuis Courbet, Millet, jusqu'à des petits jeunes gens chimistes qui accumulent des petits points. (Gauguin fait référence à l'intéret de Pissarro pour le pointillisme de Seurat)
(...) Je crois faire mon devoir et fort de cela, je n'accepte aucun conseil, aucun reproche.
Autoportrait au Christ jaune - vers 1891 - Musée d'Orsay
Sujet développé lors de la soirée "Gauguin" au Grand Monarque, à Chartres, le 1er décembre 2017. Conférence suivie d'un dîner.
En littérature comme en peinture, les naturalistes de la fin du 19e siècle ont largement usé de la prostitution pour exprimer la"vérité en art". Cette manière de dépeindre les bas-fonds de la société en pointant ses travers, servait aussi l'audace des auteurs, peintres comme écrivains.
1880 sera particulièrement prolixe avec la parution de Nana de Zola et trois nouvelles de Maupassant dont Boule de Suif. A cette occasion, la presse bien-pensante qualifie l'année de pornographique. C'est le début d'un âge d'or pour les "romans de filles".
Zola fait du personnage de Nana un sujet expérimental qui dévoile les ressorts du demi-monde parisien et la prostitution comme sujet littéraire sert de prétexte à une véritable analyse sociale. Car son héroïne incarne le Second Empire : la mort de Nana rongée par la petite vérole coïncide avec la chute du régime honni.
(Nana - Edouard Manet - 1877 - Hambourg.)
Sujet développé mardi 21 et mercredi 22 novembre 2017 - Cycle Tout connaître de Paris.
Le bras passé derrière le dos de sa compagne, l'homme se veut protecteur. Un même sourire rêveur flotte sur leurs lèvres. Ils ont partagé cette vie içi-bas, ils attendent sans crainte l'entrée dans l'autre monde.
Sarcophage des époux - 530-510 av. J.C. - Musée du Louvre - terre-cuite - longueur: 1,94m.
Découvert en 1846 par le marquis de Campana, ce sarcophage de terre-cuite gisait, brisé en plusieurs morceaux dans une tombe à tumulus de la cité-état de Caéré au nord-ouest de Rome. Le caractère exceptionnel de l'oeuvre (un seul autre exemplaire du même type est conservé au Musée de la Villa Giulia à Rome) indique que les défunts appartenaient aux classes supérieures de la société étrusque. Enrichis par leurs activités économiques et maritimes, les plus aisés adoptèrent un mode de vie raffiné.
La main et le flacon ont disparu mais la position du bras droit de la femme indique qu'elle s'apprête à verser quelques gouttes de parfum sur la paume de son époux. Comme le banquet auquel ils participent (la coutume de festoyer à demi allongé sur un lit était traditionnelle), l'offrande du parfum et du vin appartient au rituel funéraire étrusque.
Cette figuration - le banquet couché représenté sur un sarcophage - n'est pas une invention de l'artiste étrusque. Ce sont les cités grecques ioniennes établies sur la côte de l'Asie Mineure, l'actuelle Turquie, qui transmirent à la Grèce occidentale et à l'Etrurie la coutume de festoyer allongé.
Sujet du Cycle Approches, présenté mardi 6 novembre 2017.
Ces deux panneaux ont été réalisés par Toulouse-Lautrec à la demande de la Goulue comme décor de scène. Danseuse célèbre, Louise Weber - surnommée la Goulue - quitte les cabarets pour travailler à son compte dans une baraque de la Foire du Trône en 1895.
Le premier panneau représente l'époque de sa gloire au Moulin Rouge lorsqu'elle dansait avec Valentin le Désossé.
L’'impression de mouvement est renforcée par le cadrage et les postures très exagérées qui figuraient aussi sur une affiche réalisée par Toulouse-Lautrec quelques années auparavant.
Le second panneau illustre la danse mauresque exécutée par la Goulue à la foire du Trône. Les musiciens portent des habits inspirés d'un Orient de pacotille (les almées sont des danseuses égyptiennes). Parmi les silhouettes placées au premier plan apparaissent plusieurs personnalités proches du peintre: la danseuse Jane Avril coiffée d’un grand chapeau, l’écrivain Oscar Wilde, Gabriel Tapié de Celeyran, cousin germain du peintre, Toulouse-Lautrec lui-même et le critique Félix Fénéon. La présence de Wilde et Fénéon peut être perçue comme une forme de provocation de la part de Lautrec car Fénéon fut poursuivi comme anarchiste lors du procès "des trente" (1894) et Wilde, condamné à la prison en 1895 pour homosexualité.
L'exhibition ne connut pas le succès escompté et les panneaux finiront découpés en huit morceaux avant d’être achetés par l’Etat en 1930.
Sujet présenté en cycle Tout connaître de Paris mardi 17 octobre et mercredi 18 octobre 2017.
Saviez-vous que c'est à la déesse Isis que nous devons l'invention du puzzle ? C'est un temps révolu, bien sûr, où les femmes se souciaient davantage du bien-être de leurs époux que de leur vernis à ongles (honte à toutes celles qui se reconnaissent dans cette description de l'épouse moderne)!
En 2 mots et 10 morceaux: Osiris (le gentil) fut découpé par son frère Seth (le méchant) qui jeta les morceaux dans le Nil. Mais grâce à la ténacité et la patience d'Isis (la femme d'Osiris) le premier fut reconstitué. Et comme c'est une belle histoire, elle a une belle fin: de l'union d'Osiris et Isis naquit le petit faucon Horus qui comme chacun sait, est l'ancêtre des pharaons !
Vous suivez toujours? Si ce n'est pas le cas cliquez, cliquez:
Osiris au Louvre: un pendentif précieux représentant Osiris, Isis et Horus.
Petite vidéo : Téléchargement Toucher du doigt Osiris
Ce chef d'oeuvre de l'orfèvrerie égyptienne est actuellement visible dans l'exposition de la Petite Galerie du Louvre. Ce sujet a été développé lors des cycles Approches et Actualités des expositions.
Découvert au 19e siècle sur la nécropole de Saqqarah par l'archéologue français Mariette, voici le plus célèbre des inconnus du Louvre.
Chef-d'oeuvre de la sculpture de l'Ancien Empire - il est contemporain des grandes pyramides - l'homme au regard énigmatique devait être important pour avoir bénéficié d'une représentation aussi soignée.
Prince ? Haut-fonctionnaire ? Nul ne le sait mais il est figuré en "scribe accroupi" et témoigne ainsi de l'importance primordiale qu'a eue dans la civilisation égyptienne, l'écriture dont la double vocation fut d'exalter la puissance des dieux et de décrire la vie au-delà de la mort, comme de servir à l'administration et au commerce.
Ce sujet sera présenté mardi 3 octobre en cycle Approches, en salle ART'Hist.
Femme d'exception, Berthe Morisot réussit à mener une vie de grande bourgeoise, d'épouse et de mère de famille ainsi qu'une carrière de peintre d’avant-garde à une époque qui ne favorisait guère l'émancipation féminine. Muse puis belle sœur d'Edouard Manet, elle deviendra l’une des principales figures du groupe impressionniste et l’intime de Degas, Renoir, Monet et Mallarmé.
Dans ce portrait, réalisé l'année de la première exposition impressionniste, la jeune femme apparaît vêtue de noir car elle porte le deuil de son père. Edouard Manet insiste sur la longue main élégante qui saisit l'éventail. Berthe Morisot était particulièrement attachée à ce tableau qu'elle gardât tout au long de sa vie, probable cadeau de mariage d'Edouard Manet.
Ce tableau figure dans les collections du Palais des Beaux-Arts de Lille. Il fera l'objet d'une présentation lors de la conférence "Regards sur ...Lille, histoire et patrimoine" programmée mardi 6 juin 2017.
Objet d'une immense vénération dans le monde chrétien d'Occident comme dans l'Orient byzantin, la figure mariale a beaucoup varié dans ses représentations au fil des siècles.
Après les vierges hiératiques et austères du haut Moyen-Age, le caractère humain de Marie s'impose au 13ème siècle. Désormais élégantes et maternelles, les Vierges à l'Enfant placées sous le signe de la tendresse se multiplient à partir de la fin du Moyen-Age et connaissent une fortune immense jusqu'au 19ème siècle.
L'une des variantes charmantes de ce courant est La Vierge au buisson de roses, thème inspiré d'un passage du Cantique des Cantiques où la Bien-Aimée est comparée à cette fleur. Sensible au courant mystique qui entoure la Vierge dans les dernières années du 15ème siècle, le peintre Martin Schongauer en a livré l'une des plus belles interprétations. (détail ci-dessus)
Ce chef-d'oeuvre conservé à Colmar sera étudié lors de la conférence du mercredi 31 mai "Joli Mai. Mois de la Vierge" en salle ART'Hist, à Chartres. Inscription préalable requise.
Jouer du luth, manger des huîtres, nourrir son perroquet, lire ou écrire une missive.
Ces scènes répétées par de nombreux peintres hollandais de la fin du 17e siècle répondent au désir d'une classe privilégiée. Constituée par des familles de commerçants résidant dans les grandes villes, cette minorité souhaite se distinguer par son comportement, sa tenue et désire un type d'art qui reflète l'image qu'elle a d'elle-même.
La peinture de genre de la génération de Vermeer répondra parfaitement à cette demande, multipliant les sujets axés sur les passe-temps de personnages élégants dans une ambiance intime et raffinée, parfois teintée d'humour ou de poésie.
Une recette parfaitement assimilée par les peintres qui explique - en partie - la répétition obsessionnelle des thèmes évoqués.
Sujet présenté lors du cycle Actualités des expositions " Vermeer et maîtres de la peinture de genre" - 5 - 6 et 7 avril 2017.
Le décor des boudoirs de Marie-Antoinette est considéré comme l'aboutissement du raffinement en matière de décoration intérieure à la fin du 18e siècle. Ils se distinguent par l'harmonie obtenue entre le décor fixe et le décor mobilier, la qualité de la sculpture, de la peinture ou de la ciselure. Lors de l'aménagement du cabinet de la Méridienne à Versailles ou la modernisation des appartements de la reine à Fontainebleau, peintres, doreurs, sculpteurs, ébénistes ou bronziers donnèrent ce que l’artisanat français faisait de mieux - et de plus dispendieux - à la veille de la Révolution.
Sujet développé en cycle Tout connaitre de Paris - Les ébénistes du faubourg Saint-Antoine" - 4 et 5 avril 2017.
L'un sculpte et pétrit amoureusement la terre comme la chair, l'autre cisèle les mots et publie les plus charnels des poèmes de son siècle.
Voir Rodin à la lumière des Fleurs du mal de Baudelaire vous conduira assurément vers la Porte de l'Enfer, chef-d'oeuvre inachevé du sculpteur, né alors qu'il lit avec délectation les poèmes de Baudelaire.
Conçue entre 1880 et 1888, la Porte de l'Enfer constituera un inépuisable réservoir de figures tout au long de sa carrière. Reprenant sans cesse ses figures, Rodin modifie radicalement la signification d'une forme en l'utilisant dans un contexte différent. C'est ainsi que la Femme accroupie située près du Penseur, compose avec l'Homme qui tombe une oeuvre renommée Je suis belle.
La femme accroupie. Sa posture est pour le moins hardie, elle écarte sans pudeur les jambes. Attitude quasi-primitive, aux antipodes de la bienséance et qui fait écho au réquisitoire de maître Pinard en 1857 lorsqu'il tonne contre Baudelaire. "Messieurs, je crois avoir cité assez de passages pour affirmer qu'il y a eu offense à la morale publique. Ou le sens de la pudeur n'existe pas, ou la limite qu'elle impose a été audacieusement franchie." La parution de la première édition des Fleurs du mal vaudra au poète un procès et six poèmes seront censurés.
Rodin a aimé les femmes. Il en posséda quelques-unes, c'est bien connu, physiquement et moralement. Mais elles sont des centaines à être désormais couchées sur ses papiers à dessin. Objets d'étude dont il veut saisir la beauté éternelle, voluptueusement offertes. Recherchant la spontanéité de la pose, Rodin encourage ses modèles à évoluer avec naturel tout en appliquant une méthode d'une grande liberté d'exécution: il ne quitte pas le modèle des yeux tout en dessinant les poses les plus extravagantes. A la recherche de la forme pure, il compose ainsi des dessins d'une grande charge érotique.
Passions, conflits et angoisses ont nourri pareillement les expressions artistiques des deux hommes. Habités par la violence des sentiments, Baudelaire et Rodin approchent de cette conception du symbolisme définie par Aurier en 1891, celle qui est capable, enfin, de "faire frissonner l'âme".
Sujet présenté en cycle Actualités des expositions, mercredi 29, jeudi 30 et vendredi 31 mars 2017.
Lorsque Madame du Barry devient la favorite de Louis XV, elle reçoit bijoux et domaines à l'égal de la défunte Madame de Pompadour.
Séduite par la proposition du marchand-mercier Poirier, la nouvelle comtesse commande pour son château de Louveciennes un étonnant guéridon d'acajou orné de scènes galantes et exotiques peintes sur porcelaine. L'audacieux mariage du bois aux couleurs vives de la céramique témoigne parfaitement du goût de l'époque pour les petits meubles luxueux ainsi que de l'habileté technique des peintres de la manufacture de Sèvres.
Sujet présenté en cycle Tout connaître de Paris - "Martin Carlin, ébéniste". 28 et 29 mars 2017.
Simplifier, oser et cependant ... continuer à charmer. Depuis le début du 20e siècle, les femmes se sont progressivement libérées des contraintes vestimentaires que leur imposait le diktat de la bienséance. Entravées par d'incommodes crinolines ou étouffées par leurs corsets, elles ont commencé par montrer leurs chevilles et fini par couper leurs jupons.
Mais avant les scandales provoqués par les pantalons féminins, le port du bikini ou celui de la mini-jupe, d'autres bouleversements ont accompagné la libération du corps féminin. Marie-Antoinette en fit les frais dès les années 1780.
Peinte dans une robe dite "en chemise", la simplicité de sa tenue cristallisa aussitôt les critiques lors de la présentation du tableau au Salon. Face à l'opinion publique, l'administration royale préféra ôter ce portrait et le remplacer par une image plus consensuelle.
Sujet développé les 22, 23 et 24 mars 2017 en salle ART'Hist. Cycle actualités des expositions. "Tenue correcte exigée" - Musée des Arts décoratifs - Paris.
Une merveille de mécanique, un système complexe de ressorts et de contrepoids, le bureau livré au roi en 1769 par l'ébéniste Riesener est aussi un chef-d'oeuvre de marqueterie et de sculpture.
Louis XV souhaitait travailler à l'abri du regard parfois indiscret des familiers de la cour et préserver son courrier sans être obligé de le ranger.
Jean-François Oeben puis Jean-Henri Riesener ont imaginé ce secrétaire à cylindre considéré comme le meuble le plus emblématique de l’ameublement français au XVIIIe siècle. Neuf années ont été nécessaires pour le concevoir; quatorze corps de métier (ébéniste, bronzier, ciseleur, doreur, horloger ...) y ont contribué. Une seule clé permettait d'ouvrir à la fois le cylindre, de débloquer les tiroirs et d'accéder aux casiers secrets du meuble.
Introduit en 1712 dans le discours théorique de l'art, le mot design prend tout son sens à cette époque témoignant ainsi de l'inventivité de la création française. Unité du dessein et du dessin, pour la première fois le mobilier est pensé avec une intention particulière et sa forme est adaptée à la fonctionnalité et au confort.
Sujet étudié lors du cycle Tout connaitre de Paris. Chefs-d'oeuvre de l'ébénisterie parisienne. Mardi 21 et mercredi 22 mars 2017. Salle ART'Hist à Chartres.
Loin des réalités de l'Empire ottoman, l'aristocratie parisienne du 18ème siècle fantasme sur un monde merveilleux composé d'odalisques délicieuses, de charmants sultans et d'exotiques chameaux.
D'une grande sensibilité à la mode, Marie-Antoinette et son turbulent beau-frère cèdent à la fin des années 1770 à cette mode du goût turc et ordonnent l'aménagement de cabinets raffinés. D'une inventivité et d'une fantaisie peu commune, les éléments de ces décors et plusieurs pièces de mobilier sont à nouveau réunis au Louvre et à Fontainebleau.
Sujet présenté les 8 et 9 mars 2017. Cycle Tout connaitre de Paris. Chefs-d'oeuvre d'ébénisterie. Salle ART'Hist à Chartres.
LA CRINOLINE PAR TEMPS DE NEIGE. "Ma belle dame...faut'il vous donner un coup d'balai?"
Comme de nombreux dessinateurs de presse sous la monarchie de Juillet, Honoré Daumier est contraint de renoncer à ses caricatures politiques.
A partir de 1835, il se consacre à la satire de moeurs qui lui permet de ridiculiser l'autorité en l'atteignant dans ses activités commerciales et financières. Chaque série d'estampes démontre l'acuité de son observation et son sens inné des formes. Qualités que son ami Balzac résume d'une phrase lapidaire qui honore le caricaturiste: "Ce gaillard-là a du Michel-Ange sous la peau!"
L'observation des aléas météorologiques lui offre une multitude de possibilités plastiques dont il joue avec le plus grand bonheur.
Quelques exemples de caricatures politiques en cliquant sur les deux adresses suivantes:
Un site particulièrement riche:
http://expositions.bnf.fr/daumier
Ce sujet sera développé mardi 7 février 2017 en cycle Approches.
Bien connu dès le Moyen-Age, le bon roi Dagobert doit une partie de sa célébrité à un étonnant fauteuil de bronze.
Identifié dès le XIIe siècle sous l'appellation de "trône de Dagobert", on le présentait alors comme oeuvre de saint Eloi, orfèvre de ce même roi. Il est probable que seule sa présence très ancienne dans le trésor de l'abbaye de Saint-Denis a pu ensuite le préserver de la fonte.
Autrefois doté de lanières de cuir pour l'assise, il pouvait se plier et devenir ainsi un siège de campagne aisément transportable. Qualité mise à profit par Napoléon 1er en 1804 qui le fera transporter au camp de Boulogne lors de la remise des premiers insignes de la Légion d'honneur. Un usage qui nécessita une grossière réparation encore visible et qui a bloqué le pliant en position ouverte.
La consécration de Dagobert tient cependant moins à son illustre siège qu'à la notoriété de sa culotte. Chantée dès le 18e siècle dans la rue, les paroles de cette chanson constituaient une critique virulente à l'encontre du monarque du moment - Louis XVI - qui, à défaut de problèmes de culotte, connut quelques soucis de tête !
Un trône posé au bon endroit, encore pour quelques mois, au Musée national du Moyen-Age à Paris, le musée de Cluny.
Visite guidée de l'exposition Les temps mérovingiens - Musée de Cluny - Samedi 28 janvier 2017 à 13h15.
A propos de la tombe d'Arégonde dont les bijoux sont présentés dans l'exposition...et de l'étonnante découverte de 2003 ....
[...] L'impression produite par la salle Picasso est proprement monstrueuse [...]. Alexandre Benois.
1912. A des milliers de kilomètres de l'atelier parisien de Picasso, un palais moscovite regorge de toiles avant-gardistes. Couvrant les murs d'un kaléidoscope de couleurs où les roses de Matisse rencontrent la lumière de Monet, elles perturbent les invités du maître des lieux, Sergueï Chtchoukine. Drôle de personnage que ce Chtchoukine. Sous des allures d'esthète, ce petit bonhomme affligé de bégaiement est un redoutable magnat du textile doublé d'un amateur d'art contemporain, celui des avant-gardes du 20e siècle.
Dès 1910, avec l'accrochage de la Danse de Matisse, sa collection jouit d'une exceptionnelle célébrité mais dégage un parfum de scandale. En cause, les couleurs - ce jaune obsédant des toiles de Gauguin - ou la nudité mais aussi ce dénuement de certaines compositions qui exprime la nouvelle donne minimaliste. Outrances et jouissances esthétiques qui effraient parfois le collectionneur lui-même. Persuadé que l'Art lui apporte une forme de vérité existentielle malgré les tragédies qui s'abattent sur sa famille, le mécène semble chercher une forme de purification lorsqu'il acquiert ses premières œuvres de ce Picasso qu'il voit comme l'antipode de Matisse.
Chtchoukine isole les œuvres du maître espagnol dans une pièce située à l'écart, sorte de "cellule". Effrayé par ses propres choix mais déjà convaincu de leur justesse, il se soumet ainsi à un temps d'accoutumance qui lui permet de vérifier la pérennité de son intérêt pour l'œuvre picassienne. Lucide, Chtchoukine dira de Picasso: "c'est probablement lui qui a raison, et pas moi ".
Un sentiment que résumera parfaitement le critique d'art Alexandre Benois en 1912 après sa découverte des chefs-d'oeuvre toxiques réunis par Chtchoukine : [...] vous sentez que quelque chose vous a empoisonné mais que quelque chose s'éveille en même temps en vous [...]
Sujet développé dans le cadre du cycle Actualité des expositions; mercredi 7 - jeudi 8 et vendredi 9 décembre 2016.
A regarder : une vidéo d'Arte sur la collection Chtchoukine
Vendue ! Pour 12,5 millions d'euros, cette pièce exceptionnelle est récemment entrée dans les collections du Louvre.
Fabriquée en 1779 par le joaillier Neuber, elle est ornée de 128 échantillons de pierres fines qui en font un véritable cabinet de minéralogie miniature. Mais outre la performance technique et artistique, l'objet est aussi un symbole fort de la marche vers la paix du vieux continent européen au 18e siècle.
Bref rappel historique (très simplifié) : Autriche et Prusse s'affrontent - en cause, la succession de la Bavière. La Saxe est impliquée mais ne veut pas prendre parti, tout comme Louis XVI dont la femme est autrichienne mais qui se montre prudent. De manière avisée, le monarque français proposera une médiation confiée à son ambassadeur à Vienne, le baron de Breteuil. Le travail remarquable mené par le diplomate mettra fin à une guerre particulièrement meurtrière grâce à l'accord signé à Teschen le 13 mai 1779.
Preuve de la reconnaissance du travail accompli, cette table-bijou sera offerte au baron de Breteuil et restera propriété de la famille avant d'intégrer les collections nationales et d'être reconnue Trésor national et oeuvre d’intérêt patrimonial majeur.
Elle est actuellement visible au musée du Petit Palais, à Paris, dans le cadre de l'exposition "L'art de la paix".
Sujet développé dans le cycle Actualités des expositions jeudi 1er décembre et vendredi 2 décembre 2016.
Jeune veuve israélite, sage et pieuse, la belle Judith est l'un des sujets de prédilection de la peinture baroque au 17e siècle. Alors que le général assyrien Holopherne, réputé pour semer la terreur et détruire les lieux de culte, organise le siège de Béthulie; Judith s’introduit par ruse dans le camp ennemi. Invitée dans la tente du général, elle profite de son sommeil aviné pour lui trancher la tête avec sa propre épée. De retour à Béthulie, Judith brandit son trophée et redonne ainsi courage aux Israélites qui attaquent le camp de leurs ennemis désemparés par la mort de leur chef.
Bien que le Livre de Judith soit un récit plus ou moins légendaire, il fut admis dans le canon biblique et catholique en 1546 lors du Concile de Trente. Judith, en raison de sa foi, à tour à tour incarné la résistance républicaine, protestante ou catholique. C'est bien évidemment de cette dernière qu'elle devient l'emblème dans le cadre particulier de la Contre-Réforme.
Echo de la nouvelle assurance de l'Eglise dans son combat spirituel contre les réformés, la peinture du ténébreux Caravage ouvre de nouveaux horizons. Cadrage à mi-corps, netteté optique des rendus de matières, brutalité physique du clair-obscur renforcent le caractère tragique de la scène, au service d'une puissance d'émotion peu commune.
La violence de certaines œuvres chez Caravage renvoie l'image d'une vie et d'un chemin artistique mouvementés semés de contradictions, d'errances mais qui marqueront profondément le siècle.
De l'art de bien ranger son grenier : un nouveau Caravage découvert à Toulouse ?
Les audaces de Caravage : scandale et refus d'un tableau.
L'oeuvre de Caravage sera présentée en salle ART'Hist, cycle Approches mardi 29 novembre 2016.
La place occupée par la Vierge-Marie dans la peinture flamande du 15e siècle confirme la prééminence absolue dont la mère du Christ jouit dans l'art religieux du Moyen-Age. Mais l'austérité qu'affichent parfois les vierges médiévales, s'efface dès le 14e siècle pour laisser place à une femme élégante et plus humaine.
Célébrée par la poésie mystique, la Vierge se prête alors volontiers au jeu des symboles dont les tableaux de Van Eyck et de Van der Weyden regorgent. Chefs-d'oeuvre de réalisme et de minutie, les peintures flamandes ne tolèrent pas le "visiteur" rapide. Alors prenez votre temps et entrez pas à pas dans cet univers où règnent parfois le luxe, souvent le calme.....plus rarement la volupté.
Détail de "L'Annonciation" par Van der Weyden - Musée du Louvre. Transparence du verre qui ne se brise pas au passage de la lumière. Symbole de Marie qui enfanta sans briser sa virginité.
Une oeuvre à découvrir "à la loupe" sur le site du Louvre, la Vierge du chancelier Rolin par Van EycK :Vidéo du Musée du Louvre
Conférence du mardi 22 novembre 2016.
Peaux blanches et lisses, pilosité inexistante, proportions idéales, les nudités archéologiques du Second Empire et de la IIIe république se ressemblent et s'assemblent !
En 1863, trois "Vénus" triomphent au Salon sous les pinceaux de messieurs Cabanel, Baudry et Amaury-Duval. Bien souvent, ce sujet donne à l'oeuvre une caution vaguement archéologique et contribue ainsi à rendre acceptable une telle nudité.
En fait, cette Antiquité fantasmée sert de prétexte à des mises en scène parfois très lascives.
La naissance de Vénus - William Bouguereau - Musée d'Orsay
Adepte d'un art à la fois sensuel et dénué d'émotion, William Bouguereau a été compromis par le développement du grand commerce d'art parisien au cours des années 1850. Le contrat exclusif offert par la maison Goupil en 1863 lui ouvre les portes des marchés anglais et américains.
Cependant cette adaptation aux goûts de la clientèle l'oblige à composer de multiples variations où dominent une sentimentalité mièvre et un érotisme chaste qui le relégueront à partir du 20e siècle dans la catégorie très critiquée des peintres pompiers.
Sujet présenté le 29 et le 30 mars 2016 en cycle Tout connaitre de Paris - Salle ART'Hist.
8 mars 1910. Et le soleil se coucha sur l'Adriatique.
Roland Dorgelès et sa troupe de joyeux drilles montmartrois décident de dénoncer la peinture moderne, ceux qui la font et ceux qui la défendent. Leur cible: la bande à Picasso à laquelle ils reprochent une conception trop abstraite de l'art de peindre.
Il expose donc au Salon des Indépendants une toile intitulée "Et le soleil s’endormit sur l’Adriatique", peinte par un artiste italien inconnu; Boronali.
En réalité, l’auteur du tableau est « Lolo », l'âne de Frédé - patron du cabaret le Lapin Agile - à la queue duquel Dorgelès et ses amis avaient attaché un pinceau !
Une fois la supercherie révélée, constat d'huissier à l'appui, Dorgelès expliquera qu'il voulait prouver que l'oeuvre d'un âne avait tout à fait sa place parmi les tableaux exposés au salon. Après tout, on restait entre gens cultivés puisque Boronali est l'anagramme d'Aliboron, l'âne des Fables de la Fontaine.
Ce tableau est associé à l’événement "Carambolages" Exposition du Grand Palais. Visite guidée le 24 mars 2016.
Chez Gérard Fromanger, comme avec certaines plantes, les rhizomes offrent la singularité de leurs connections aux visiteurs de l'exposition qui vient d'ouvrir au Centre Pompidou.
A un détail près; ce ne sont plus des tiges ou des racines qui fixent les berges et les dunes mais les multiples connexions colorées émanant de l'homme. Lignes de peinture qui s'écoulent, foisonnent en un faisceau rappelant les lignes du réseau métropolitain. Elles rejoignent les silhouettes des passants, figures-clés de la réflexion de Fromanger depuis plus de quatre décennies.
Mais le rhizome est aussi philosophique car selon la définition de Gilles Deleuze "N'importe quel point d'un rhizome peut être connecté avec n'importe quel autre".
Une figuration somme toute très esthétique et très actuelle d'un monde qui se décline désormais en réseaux dits sociaux.
Exposition Gérard Fromanger - Centre Pompidou - jusqu'au 16 mai 2016.
Présentation en salle ART'Hist les 9/10/11 mars 2016.
« Il faut continuer à tout regarder (…) c’est le mouvement des choses et des gens qui distrait (…) » Lettre d’Edgar Degas - 1886
Surnommé de son vivant le peintre des danseuses, Degas n’a jamais cessé de les étudier variant sans cesse les supports : peinture à l’huile, dessin au crayon, pastel ou sculpture.
Au repos, à l’exercice, en représentation, il les observe depuis les coulisses, assis au premier rang du public ou au cœur du foyer. Son œil critique étudie sans relâche le corps humain qu’il plie et déplie, humble marionnette réduite à une mécanique vide de sentiments.
Danseuse de 14 ans - Musée d'Orsay
« Bestiale effronterie », « fille-singe »: ce sont quelques-unes des critiques émises lors de la présentation de cette danseuse à la sixième exposition impressionniste en 1881. Seule sculpture exposée de son vivant, elle était – avant d’être coulée en bronze – composée de cire portant un véritable tutu, une perruque et des chaussons de satin. Cette combinaison d’éléments réels du costume fut jugée trop réaliste.
Sujet présenté mardi 9 et mercredi 10 mars 2016, cycle Tout connaître de Paris.
Dynamique et diversifiée, la sculpture monumentale exprime parfaitement le sens de l'adaptation propre à l'art roman.
Soumise au cadre qui la reçoit - tympan, voussures, chapiteaux - elle transforme la figure humaine, l'animal, le monstre comme le végétal pour mieux les plier aux contraintes d'un schéma ornemental très imaginatif.
Bien que les sources d'inspiration iconographiques soient généralement les mêmes dans l'ensemble de l'Occident roman, on observe des divergences dans le style et l’ornementation selon les lieux.
Terre de passage dans l'Antiquité, la Bourgogne reste une zone d’échanges artistiques particulièrement active au Moyen-Âge et le théâtre d’expériences multiples.
Un style original s'y développera au 12e siècle. Marqué par l'élongation des personnages, la finesse des visages et la souplesse des plis des vêtements il caractérise l'aménagement du décor sculpté de plusieurs édifices: Cluny, Vézelay, Autun...
Sujet développé mardi 8 mars 2016, en cycle Approches.
Longues silhouettes à têtes d'épingle, étranges attitudes contorsionnées, vues fantaisistes de ruines romaines, la peinture d'Antoine Caron traduit l’atmosphère singulière de la cour des Valois pendant les guerres de Religion. Peintre de Catherine de Médicis, ses œuvres illustrent à la fois les fêtes qui firent la célébrité de cette cour mais aussi - de manière allusive - les affrontements sanglants qui déchiraient alors le royaume.
Une peinture du Louvre, datée de 1566, Les massacres du Triumvirat, livre une vision cruelle mais élégante de ces événements tragiques.
Oeuvre présentée lors des conférences en salle (mardi 12 - mercredi 13 janvier 2016 - Cycle Tout connaître de Paris) et au cours des visites du Louvre programmées en janvier.
