En allemand, ce surnom - que portait la seconde épouse du poète Eluard -  évoque aussi  "nüscht" qui signifie "rien" ou encore "nuss" qui évoque la noix ou la noisette. Egérie des surréalistes, la future muse est née Maria Benz, le 21 juin 1906 à Mulhouse, dans une ville alors allemande. 

Libre et inspirante, Nusch sert de modèle à de nombreux artistes de l'avant-garde ; sa postérité se construit dans les dessins et les toiles de Picasso, les photographies de Man Ray, Dora Maar, Roland Penrose ou Lee Miller, mais aussi dans les poèmes de son mari Paul Eluard épousé en 1934 à la mairie du 17e arrondissement.

Une union très libre pour chacun ; la veille de son mariage avec Nusch, Eluard écrit à Gala, sa première épouse : "ma belle petite fille chérie, le fait que demain je me marie me plonge tout bêtement dans des abimes de mélancolie. Il n'y aura pourtant rien de changé à ma vie, sauf en ceci que si je voulais quitter Nusch, j'aurais moins de scrupules étant marié, car alors sa situation matérielle serait plus aisée à régler. Mais chaque nuit, je rêve de toi, toi nue dans les montagnes ..." 

"Liberté. J'écris ton nom" écrivait Paul Eluard. Pourtant Eluard ne quittera pas Nusch ; ce sera elle qui s'en ira, brutalement. Et sa mort le laissera désemparé.

Nusch et Paul Eluard - photographie. Portrait de Nusch (détail) 1937 - Picasso - Musée Picasso, Paris. 

Une histoire à découvrir lors du cycle Tout connaître de Paris 2025-2026. Le circuit étudié traversera le quartier des Batignolles où se trouve la mairie du 17e arrondissement.

En 1866, le jeune écrivain Zola rédige une tonitruante défense de Manet après sa visite du Salon d'où le peintre avait été exclu : " "Puisque personne ne dit cela, je vais le dire, moi, je vais le crier. Je suis tellement certain que M. Manet sera un des maîtres de demain, que je croirais conclure une bonne affaire, si j’avais de la fortune, en achetant aujourd’hui toutes ses toiles. Dans cinquante ans, elles se vendront quinze et vingt fois plus cher, et c’est alors que certains tableaux de quarante mille francs ne vaudront pas quarante francs." 

Pour le remercier de son appui, Manet proposa à Zola de faire son portrait, assis à une table de travail. Mais en regardant avec un peu d'attention, il apparait que le décor reflète davantage l'univers du peintre que celui de son modèle.

Au mur est accrochée une reproduction de la fameuse Olympia de Manet, objet d'un vif scandale au Salon de 1865 mais que Zola considérait comme le chef-d'œuvre de l'artiste. Derrière, une gravure d'après le Bacchus de Velázquez exprime le goût commun au peintre et à l'écrivain pour l'art espagnol. Elle voisine avec une estampe japonaise qui rappelle à quel point l'Extrême-Orient tient une place essentielle dans l'avènement de la nouvelle peinture occidentale. 

Quant à Zola, il affiche une expression lointaine, distraite, qui frappa ses contemporains. L'explication tient peut-être au fait que - tout en étant reconnaissant - Manet n'avait en fait pas beaucoup d'affinités avec le jeune écrivain. 

Portrait d'Emile Zola (détail) - 1868 - Edouard Manet - Musée d'Orsay, Paris.  Familiers du quartier des Batignolles, les deux artistes seront évoqués lors du cycle Tout connaître de Paris 2025-2026. 

Illustre peintre de portraits, empruntant aux grands maîtres du passé, mais aussi aux réalistes et aux impressionnistes, John Singer Sargent (1856–1925) sut moderniser la peinture académique de son temps. Habile portraitiste, il flatte ses modèles tout en donnant d’eux une image contemporaine. 

Mais en 1884, son portrait d'une femme de banquier très en vue, présentée avec sa bretelle droite glissant de son épaule, sera jugé indécent. Après avoir rectifié sa toile mais blessé par les critiques, Sargent se réfugie à Londres pour y demeurer tout le reste de sa carrière.

Bien des années plus tard, lorsque le tableau fit son entrée dans les collections du Metropolitan Museum, le peintre précisa que l'identité du modèle devait rester secrète. Rebaptisée Madame X, c'est désormais l'une des oeuvres les plus célèbres du musée newyorkais. 

Portrait de Madame X  (détail ) - 1884 - John Singer Sargent - Metropolitan Museum of Art, NYC    Une exposition du musée d'Orsay, à découvrir lors du cycle Expos + ART'Hist 2025-2026. 

Cette curieuse verseuse en forme de pêche était utilisée pour servir de l’alcool lors des banquets en Chine.

Symbole de longévité, de bonheur et d’immortalité, la pêche évoque le verger fabuleux de Xi Wangmu, divinité taoïste. Cette déesse réside sur le mont Kunlun, un lieu hors d'atteinte des simples mortels. Un lac turquoise s'y trouve, au bord duquel les pêches d'immortalité murissent une fois tous les trois mille ans et procurent la vie éternelle à celui qui les mange.

Des récipients de même nature pouvaient aussi adopter la forme d'une tortue. Du fait de sa durée de vie exceptionnelle, la tortue peut avoir un rôle de stabilisatrice de l’univers, qu’elle évoque parfois : sa carapace formant le dôme de la voûte céleste, son ventre la terre bougeant sur les eaux et sa longévité semblant infinie.

Ces objets pittoresques étaient fréquemment offerts lors des anniversaires et des mariages.

Installée dans la vitrine dite « des théières » du musée Cernuschi, cette pêche et une tortue voisine attirent immédiatement le regard. La réunion de ces récipients aux formes originales reproduit fidèlement l’esthétique d’une collection du 19e. Celle d’Henri Cernuschi, amorcée lors d’un tour du monde entre 1871 et 1873, forme l’âme de l'hôtel particulier de l’avenue Vélasquez, aujourd’hui musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris. 

Porcelaine - Entre 1800 et 1896 - Musée Cernuschi, Paris. Une sélection d'oeuvres du musée Cernuschi sera présentée lors du cycle Tout connaître de Paris 2025-2026. 

L'illustration d'un billet reflète généralement l'histoire du pays, le progrès des techniques et l'évolution des goûts esthétiques. Au siècle dernier, deux billets de 10 et 100 francs ont ainsi illustré la France, non sans générer quelques difficultés d'usage en métropole comme à l'étranger.

Ces deux coupures ont pour particularité commune d'avoir été dessinées par Lucien Fontanarosa, peintre installé dans la bucolique cité des Fleurs, à Paris. Dès 1974, le peintre figuratif est sollicité et compose un motif célébrant le musicien Hector Berlioz dans un camaïeu de bruns et oranges sur une coupure de 10 francs. Mais la mise en circulation en 1978 d'un second billet de 100 francs à l'image de Delacroix, aux coloris et de composition assez similaires, va engendrer plusieurs problèmes.

De nombreux utilisateurs - notamment des personnes âgées - seront victimes de la ressemblance existant entre ce « Delacroix » et le « Berlioz ». Quand au visuel du billet Delacroix, il posera des difficultés lors des opérations de change de devises dans certains pays du Moyen-Orient. Car dans sa première version, le peintre était accompagné de la Liberté guidant le peuple, figure allégorique au buste dénudé. 

Première version du billet dessiné par Lucien Fontanarosa. 

L'œuvre du peintre Lucien Fontanarosa sera étudiée lors du cycle Tout connaître de Paris 2025-2026. 

Connaissez-vous la cité des Fleurs ? Nichée au cœur du 17e arrondissement cette jolie voie pavée est jalonnée de maisons aux styles architecturaux variés et de jardinets verdoyants. Créée en 1847, c'est un témoin précieux des premiers lotissements d'une zone portant le nom d'un lieu-dit, les Epinettes. Au 19e siècle, la proximité de la voie ferrée attire des entreprises de part et d’autre de l’avenue de Clichy voisine. L'accroissement d'une nouvelle population nécessite alors l'aménagement de ce qui n'était encore qu'une vaste étendue cultivée, percée de carrières à ciel ouvert. 

Parenthèse bucolique au cœur d'un secteur animé, la cité des Fleurs reste aujourd'hui accessible aux piétons tout en participant activement à la vie du quartier. Une école maternelle, la paroisse de l’église Saint-Joseph des Épinettes et un foyer de jeunes travailleurs cohabitent avec les résidents. Et dans les années 40, une clinique y a vu naître la future actrice Catherine Deneuve. 

L'histoire de la cité des Fleurs sera développée lors du cycle Tout connaître de Paris 2025-2026. 

"Le corps est un moulage où s'impriment les passions " dit Rodin. Sujet inépuisable chez le sculpteur de la Porte de l'Enfer, le thème du couple formé par ce satyre et cette nymphe, lui permet à nouveau d'exprimer l'effervescence intérieure de ses modèles à travers les postures et dans l'expression du visage féminin. Retenue fermement par le satyre, la nymphe qui tente de se soustraire à son emprise, laisse libre cours à son effroi et à sa colère. L'effet produit - entre sensualité et violence - fut à l’origine du succès de l’œuvre, l’une des créations de Rodin les plus appréciées de ses contemporains.

Le groupe sera rebaptisé Minotaure en 1899 bien que le personnage masculin ne ressemble pas au monstre crétois affublé d’une tête de taureau. Mais la posture des deux personnages fait allusion au mythe du prisonnier du labyrinthe auquel sont offerts, tous les neuf ans, quatorze adolescents en sacrifice. Significative de la violence attachée à cette figure effrayante de la mythologie, c’est bien l’appellation qui va prédominer par la suite.

Réalisé en 1886, trois ans après sa rencontre avec Camille Claudel, devenue rapidement collaboratrice, muse et maîtresse de l'artiste, ce groupe peut aussi s'appréhender comme la représentation métaphorique de sa relation passionnelle avec la jeune femme.

Minotaure - Auguste Rodin. Visible jusqu'au 4 août dans l'exposition du musée des Beaux-arts de Chartres "Labyrinthes" et présenté lors des prochaines visites guidées.

Dans les tombes égyptiennes, les tables d'offrandes étaient posées à même le sol, devant la fausse porte de la tombe ou dehors, près de l'entrée. Elles servaient - en vrai ou magiquement - aux rites d'offrande du mort : on y déposait les libations ou de la nourriture. Emprunté à l'iconographie du labyrinthe, le décor central de cette table de pierre présente un crocodile encadré par des fleurs, des grenouilles et des oiseaux.

Peintre d’origine japonaise, Foujita séjourne régulièrement à Paris entre 1913 et 1968. Amoureux de cette ville vibrante et cosmopolite, il immortalise les plaisirs de la vie parisienne dans des oeuvres aux lignes fines et à la perspective aplatie. Evocation du quartier de Montparnasse où il résida un temps, cette scène de café est caractéristique du style délicat de l'artiste.  Son style unique, mêlant influences japonaises et occidentales, a fait de lui une figure emblématique de l'art moderne.

Naturalisé Français en 1955, il se fait baptiser quelques années plus tard dans la basilique Saint-Rémi de Reims et adopte le prénom Léonard. Ce choix de prénom est une double référence : l’une à Léonard de Vinci, l’autre à Léonard Kimura, un martyr japonais.

Artiste incontournable des "montparnos", ces figures de la bohême artistique de Montparnasse, l'œuvre de Foujita sera évoquée vendredi 28 mars lors du prochain dîner-conférence que j'anime dans les salons du Grand Monarque, à Chartres. 

Léonard Foujita - Au café - 1949 - Centre Pompidou, Paris

Le lion et le chien, une histoire d'amitié improbable qui a pour cadre la Ménagerie du Jardin des plantes, à Paris au moment de la Révolution. Pour en découvrir le souvenir, rendez-vous près de la fontaine de la porte Monge, non loin de la Galerie de l'Evolution. Un peu dissimulés par les feuillages, c'est là que figure le curieux couple juché au sommet de l'édicule.

Capturé au Sénégal en 1787 alors qu’il n’était encore qu’un lionceau, Woira grandit dans le domaine du directeur de la Compagnie d'Afrique. Le jeune lion s’y accommode de la présence d’une femelle Braque qui venait d’avoir des petits. Jouant particulièrement avec l’un des chiots, les deux animaux vont vite s'attacher l'un à l'autre.

Élevés ensemble en Afrique puis confiés en 1794 à la Ménagerie, ils sont restés inséparables jusqu’à la mort du chien. On tentât bien de donner un nouveau compagnon à Woira, mais le pauvre animal fut promptement estourbi par le félin. Le vieux lion mourra en 1796, épuisé par le rationnement imposé à la Ménagerie en ces temps difficiles.

                                                                   Le lion du Museum d'Histoire naturelle avec son chien - BnF -Gallica

Retrouvez cette anecdote dans le prochain livret des Traversées parisiennes (parution en mai 2025) et lors du cycle en salle Tout connaître de Paris (reprise des cours le 11 mars 2025)

Bonne et heureuse année 2025, riche en partages et en découvertes !

Sans défenses, doux et vulnérables, l'Enfant et l'Agneau reposent l'un à côté de l'autre, présentés au plus près du spectateur.

Au 17e siècle, la Contre-Réforme catholique réaffirme la place des images dans le culte et leur capacité à éveiller la dévotion des fidèles par l’émotion. Dans cet esprit, Ribera - peintre espagnol installé à Naples - joue sur la puissance évocatrice de la lumière et de la matière. Au blanc lumineux émanant du corps du nourrisson répond le pelage duveteux de l'agneau entravé. 

Adoration des bergers - 1650 - Jusepe de Ribera - Musée du Louvre. Cette peinture est actuellement présentée au Petit Palais dans l'exposition "Ribera. Ténèbres et lumière". Un sujet du cycle Expos+. 

Avec cette composition florale décorative dans le style de Grasset. On surnommait "bleuets" les jeunes recrues portant un uniforme bleu horizon qui rejoignaient leurs ainés sur les champs de bataille de la Première Guerre Mondiale.

Pierre Roy - vers 1904 - Musées d'art de Nantes. 

Malgré sa palette de couleurs subtiles et délicates, le chrysanthème reste trop souvent associé à à la Toussaint et aux cimetières. Pourtant son nom, issu du grec "khrusos", signifie "or". Très tôt en Chine, cette fleur d’or fut vénérée et travaillée à la manière des bonzaïs. Au Japon, offrir des chrysanthèmes - l'emblème de la famille impériale - était censé apporter bonne santé et longévité.

En France, le chrysanthème devient la fleur des morts et des veuves de guerre en 1919 lorsque Raymond Poincaré, alors président de la République, exige le fleurissement de tous les monuments aux morts de France.

Pourtant quelques années auparavant, Piet Mondrian, futur pionnier de l'abstraction, en fit un sujet d'étude particulier. Selon le jeune peintre, "peindre des fleurs, pas des bouquets, mais une seule fleur à la fois" lui permettait de mieux exprimer la structure plastique de la plante et d'atteindre "une beauté plus profonde cachée".  Sous le pinceau de l'artiste, fleurs et arbres vont progressivement se décomposer en réseaux de lignes qui aboutiront à l'art abstrait, phénomène majeur de l'art du début du 20e siècle. Un étonnant parcours pour cette fleur souvent dédaignée devenue un symbole puissant de renouveau.

Chrysanthème - 1908-1909 - Piet Mondrian - Coll. p. 

D'aucuns trouveront que les historiens jouent les radoteurs avec cette énième exposition sur la peinture impressionniste au musée d'Orsay.

Mais c'est pour la bonne cause ; on y dresse le portrait du plus discret des peintres de ce mouvement, Gustave Caillebotte (1848-1894). Mis à l'honneur avec son célèbre tableau des "Raboteurs de parquet", le peintre s'attaque à un sujet résolument moderne et audacieux ; le prolétariat urbain. Valorisant la compétence des ouvriers installés dans une perspective audacieuse, il sera taxé de vulgarité et caricaturé dans la presse.

Et puisque cette fin du 19^e siècle vit en France le développement de la presse populaire, restons dans cet esprit avec ce dessin humoristique contemporain accompagné d'une pensée pour celles et ceux qui prennent soin des sols de l'exposition que vous avez peut-être foulés. 

Dessin de presse - Julien Couty. 

Cette exposition sera présentée en salle ART'Hist, cycle Expos et lors du dîner-conférence que j'anime dans les salons du Grand Monarque, à Chartres, vendredi 29 novembre. 

ELLE domine Paris, on la présente souvent comme une grande Dame, son genre est féminin. ELLE, c'est la Tour Eiffel, symbole universel de la capitale française et de la nation. Paris accueillant les Jeux Olympiques en 2024, c'est sur son flanc qu'ont été fixés les anneaux qui célèbrent ce grand évènement sportif. 

Sous ces anneaux, des lettres capitales dorées, hautes de 60 centimètres sont assez grandes pour être vues du sol. Elles composent les 72 noms de savants mis à l'honneur par Gustave Eiffel. ILS mais pas ELLES.... 

Car force est de constater qu’aucune femme n’est mentionnée sur la grande structure métallique. Une petite révolution semble pourtant en marche grâce au projet ‘Hypatie pour la tour Eiffel’. Son comité œuvre pour inscrire 40 noms de femmes scientifiques au deuxième étage de la Tour, au-dessus des hommes …et des anneaux.  (*Hypatie était une mathématicienne et philosophe grecque (Alexandrie vers 370 - Alexandrie 415). Henri Rivière - 1902 -  Estampe - Série "Trente-six vues de la Tour Eiffel - Paris Musées Collections. 

Un détail à retrouver dans mon dernier livret des Traversées parisiennes : "Du quai de Passy au quartier du Gros-Caillou".  Vente en ligne et sur les rayons de la librairie L'Esperluète à Chartres. 

Parchemin très blanc, fin et souple, le vélin est un support de grande qualité qui permet de composer des dessins rehaussés d'aquarelle, particulièrement raffinés.

Entre 1793 et 1802, le peintre Nicolas Maréchal qui excellait dans cette pratique, compléta la collection des vélins du Muséum par des portraits de carnassiers à la fois sensibles et très singuliers.

Formé à l’étude de l’anatomie lors de ses études à l’École vétérinaire d’Alfort, Maréchal tente de représenter l'animal dans son milieu naturel. Travaillant essentiellement à partir des modèles vivants de la Ménagerie du Jardin des Plantes, il s'attachera aussi à donner à ses sujets des expressions presqu'humaines.

Imaginé debout sur le bord de la banquise, un ours blanc fixe la rive opposée et semble songeur face aux improbables statues qui s'y dressent. Mêlant réel et fantastique, cette très libre interprétation de l'animal invite à explorer le monde sauvage tout en rappelant que la frontière entre nature et imaginaire reste encore très floue à l'aube du 19e siècle. 

Ours polaire, vélin conservé dans les collections du Muséum national d’Histoire naturelle - 1796 - Nicolas Maréchal © MNHN. Sujet développé lors du cycle Tout connaître de Paris 2024-2025. 

Voici une petite merveille qui possède une riche histoire, au propre comme au figuré.

Célèbre pour ses oeuvres abstraites couvertes d'or et d'argent, l'artiste colombienne Olga de Amaral a sublimé le sac Lady Dior en le recouvrant d'une nouvelle peau étincelante. Mais avant cette ultime métamorphose, l'accessoire mythique de la maison Dior avait déjà brillé de mille feux, porté par une personnalité tout aussi rayonnante.

1995, le couple présidentiel Chirac s’apprête à accueillir une invitée de marque : Lady Diana. Pour marquer cet évènement, Bernadette Chirac commande un sac à main exclusif à Dior. Reflet du savoir-faire exceptionnel de la maison, le petit modèle élaboré en cuir noir va s'inspirer d'un motif que Christian Dior affectionnait particulièrement, le cannage des chaises Napoléon III.

Offert à la princesse dès son arrivée à l’Élysée ; c’est le coup de foudre. Dès lors, Diana l'arborera à de nombreuses occasions, aussi bien en visite officielle qu’au quotidien. Moins de deux ans après sa commercialisation, les ventes de la maroquinerie Dior sont multipliées par dix. Bien que baptisé "Chouchou" à sa naissance, la fidélité de Lady Diana poussera la maison de l’avenue Montaigne à le rebaptiser  "Lady Dior". 

Fort de son succès qui ne s'est jamais démenti depuis, le sac est donc "revisité" en 1919 par plusieurs artistes femmes à la demande de Dior.  Délaissant le traditionnel motif cannage, Olga de Amaral introduit de nouvelles matières issues de son univers créatif - des carrés de toile de coton et lin brodés dorés à la feuille d’or - et transfigure l'objet en une moderne relique inca. 

La Fondation Cartier expose les oeuvres de l'artiste Olga de Amaral cet hiver à Paris. Une exposition présentée en cycle Expos+. 

Érigée au milieu d'un parc, véritable havre de fraicheur au cœur de la chaleur romaine, la Villa Borghèse enchante les visiteurs par la richesse de collections patiemment réunies par le cardinal Scipion Borghèse (1577-1633).

Décrit par ses contemporains comme curieux, courtois, voire timide, l'homme n'en fit pas moins preuve d'une avidité remarquable pour satisfaire sa passion pour l’art. À plusieurs reprises, il n'hésita pas à recourir à la menace afin de contraindre des artistes à lui céder des oeuvres ou à travailler pour lui. 

C'est une mésaventure de ce genre que cache l'œuvre célèbre du Caravage, le garçon à la corbeille de fruits. Cette peinture - l’une des premières acquisitions du cardinal Borghèse en 1607 - fait partie d'une expropriation bien connue subie par Giuseppe Cesari, autrefois maître du jeune Caravage.

Conservée par Cesari plusieurs années après le départ de Caravage de son atelier, accusé d’agression et de détention d’armes, le peintre fut forcé de la céder au pape Paul V. Lequel en fit don … à son neveu, Scipion Borghèse, commanditaire présumé de cette saisie.

La collection Borghèse, une histoire de famille (et de péchés véniels), s'expose au musée Jacquemart André, à Paris, jusqu'au mois de janvier. 

Garçon avec un panier de fruits - 1593-1595 - Michelangelo Merisi da Caravaggio dit Le Caravage - Collection Borghèse, Rome 

La beauté presque féminine du jeune homme à l'épaule dénudée fait écho de manière assez licencieuse aux promesses de volupté que dégagent les fruits. Ce jeune homme à la pose sensuelle n’est autre que Mario Minniti, lui-même artiste alors âgé de 16 ans, qui était aussi probablement l’amant de Caravage 

L'exposition de la collection Borghèse au musée Jacquemart André sera commentée en cycle Expos+.

Dans le sillage du Caravage, Jusepe de Ribera, artiste espagnol installé en Italie, s’impose comme l’un des interprètes les plus fascinants de la peinture d’après nature. Artiste hors-pair par sa capacité à retranscrire une réalité presque tactile des chairs et des objets, il traduit avec une acuité bouleversante la dignité du quotidien et les drames humains.

D’une radicalité extrême, Ribera privilégie un réalisme cru et la violence des clairs obscurs. Sa peinture, à la fois brutale et poétique, propose une interprétation éminemment personnelle de la révolution du Caravage.

Ribera vécut de 1616 jusqu'à la fin de sa vie, à Naples. Au 19e siècle, les écrivains romantiques le considèrent comme le prototype du peintre anticlassique et propagent une image outrancière de son art. Lord Byron affirmait poétiquement que Ribera "trempait ses pinceaux dans le sang des saints". 

Les saints ermites constituent un sujet de prédilection pour Ribera qui représente saint Jérôme une quarantaine de fois. Dans cette version, l'ermite lève les bras en entendant la trompette du Jugement Dernier. Né en Vénétie en 347, saint Jérôme occupe une place importante dans la réforme de l’église catholique au 17e siècle. Sa traduction de la Bible en latin - connue sous le nom de Vulgate - fut déclarée traduction authentique par le concile de Trente en 1546.

L’épisode relaté par Ribera se distingue par sa mise en scène dramatique. Selon une technique héritée du caravagisme, le corps du vieil homme semble illuminé de manière presque surnaturelle sur la roche sombre sans que l'on puisse définir la source lumineuse. Quant à son air effrayé, il illustre l'un de ses écrits : « Que je veille ou que je dorme, je crois toujours entendre la trompette du Jugement. » 

St-Jérôme et l'ange de Dieu - 1626 - Jusepe de Ribera - Musée de Capodimonte, Naples. Le bras blanc et musclé de l'ange annonçant la parole divine souligne avec force la courbe de l'instrument. Cette apparition théâtrale fait écho à l'ange de saint Matthieu plein de vigueur, peint plusieurs années auparavant par le révolutionnaire Caravage, en l'église romaine de St-Louis-des-Français. 

L'exposition Ribera sera présentée au musée du Petit-Palais, à Paris à partir du mois d'octobre. A découvrir lors du cycle Expos+ en salle, à Chartres, saison 2024-2025 

Le Musée d'Art Moderne de Paris propose de revisiter l’histoire de la modernité à travers l’imaginaire de l’atome.

À l’aube du 20ème siècle, les découvertes scientifiques sur la composition de l’atome et la radioactivité qui en émane bouleversent le rapport à la matière sur lequel repose la représentation artistique de la réalité.

La matière est désormais comprise comme énergie, ce qui permet d’imaginer un art affranchi de la pesanteur et de l’opacité des apparences de la nature.

L’invention de la bombe atomique et son utilisation destructrice contre le Japon par les États-Unis en août 1945 marquent un point de bascule de l’histoire moderne de l’atome, inaugurant un nouvel « Âge atomique ». Les artistes du monde occidental en proposent des lectures multiples : certains s’en tiennent à une neutralité esthète et à une fascination pour les mondes inconnus révélés par la physique, d’autres engagent une critique de la « spectacularisation » des explosions, d’autres encore tentent de représenter cette irruption du tragique au sein de la condition humaine.

Charles Bittinger’s “Late Stage of Baker” - 1946 - Navy Art collection, US.  L'explosion du « Baker » est un essai d'arme nucléaire mené par les américains sur l'atoll de Bikini, en Micronésie, le 25 juillet 1946. Le nuage extérieur, plus large, n'est en fait qu'un nuage de condensation. Il n'y a pas eu de nuage en forme de champignon classique s'élevant vers la stratosphère.

Mais, à l'intérieur de ce nuage de condensation, le sommet du geyser d'eau a formé une tête en forme de chou-fleur qui est retombée sur le lagon. L'eau libérée était hautement radioactive et a contaminé de nombreux navires installés à proximité.  Certains n'ont pas été endommagés et ont été décontaminés. Ceux qui n'ont pas pu être décontaminés ont été coulés à quelques kilomètres au large de San Francisco. A découvrir lors du cycle Expos 2024-2025, en salle ou en visioconférence.

Roi incontesté des jouets, l’ours en peluche s’invite au musée des Arts décoratifs à partir de décembre pour raconter son incroyable histoire. Né au tout début du 20^e siècle, Teddy Bear dit Nounours de ce côté de l'Atlantique, s’est vite imposé dans le cœur des enfants, détrônant poupées et animaux à roulettes dont l’existence remonte pourtant à l’Antiquité.

Mais une question demeure :  comment l’ancien roi des animaux - vénéré pour sa force, craint pour sa férocité - a pu devenir le plus populaire des jouets, symbole universel de tendresse et de douceur ?

Venu du temps des cavernes, l'ours fut un temps le roi des animaux car de tout l’hémisphère nord, il est l’animal le plus fort. Du fait de sa capacité à se mettre debout, il sera même comparé à l’homme; une aberration pour le christianisme qui place l’homme au-dessus des animaux. Dès lors l'Eglise médiévale va lui déclarer la guerre, bien décidée à lutter contre les cultes ursins.

Des milliers d’ours sont massacrés tandis que se multiplient les récits hagiographiques où de saints personnages domptent l’ours, affirmant ainsi leur supériorité sur l'animal. Alors qu’il était admiré pour sa force, les théologiens lui attribuent  désormais plusieurs péchés capitaux. Incarnant la paresse, la colère, la gourmandise et la luxure, l’ours devient un animal de cirque ridiculisé sur scène ou dans les contes comme dans le célèbre Roman de Renart.

Pourtant malgré ce passé difficile, le roi déchu de nos forêts conserve une place indétrônable au palmarès des peluches d'hier et d'aujourd'hui.

Fleur de vertu - 1530 - Manuscrit François de Rohan - BnF. Colère de l'ours qui se fait attaquer par les abeilles lorsqu'il vole leur miel ; l'ours est le symbole de la gloutonnerie.  Cycle Expos+ en salle à Chartres, saison 2024-2025.

Les fous d’hier sont-ils ceux d’aujourd’hui ? Le musée du Louvre consacre cet automne une exposition inédite à ces figures du fou qui foisonnent dans l’univers visuel du Moyen-Âge et de la Renaissance.

Au 13e siècle, le fou est inextricablement lié à l'amour et à sa mesure ou démesure, dans le domaine spirituel comme dans le domaine terrestre.

Le thème de la folie d'amour hante les romans de chevalerie et leurs nombreuses représentations. Une folie qui atteint jeunes et vieux. Ainsi, la scène du philosophe Aristote chevauché - et donc ridiculisé - par Phyllis, la maîtresse d’Alexandre, était fort en vogue à la fin du Moyen-Âge. Elle montrait avec humour le pouvoir des femmes renversant l’ordre habituel.

En voici le résumé : Aristote avait pour élève Alexandre le Grand et reprochait à ce dernier de se laisser déconcentrer de ses royales fonctions par Phyllis, courtisane dont il était éperdument amoureux. Obéissant à son professeur, Alexandre cessa donc de fréquenter la belle et s’en retourna traiter les affaires de l’État.

Vexée, Phyllis décide alors de se venger du vieux philosophe en usant de ses charmes.  Mais lorsque le sage succombe, la rusée courtisane lui explique que s’il veut la posséder, il devra d’abord accepter d'être sellé et bridé puis de se laisser chevaucher. L’éminent barbu accepte et voilà Phyllis se promenant à dos d’Aristote dans les jardins royaux, le fouettant pour le faire avancer.

Alexandre, témoin de cette scène, s'en amusera tout en reprochant à son maître de n’avoir point de raison et d’avoir cédé au jeu de la tentation. Contraint d’admettre qu’il n’a su résister à son désir, Aristote profitera tout de même de la situation pour donner la leçon à son pupille. La morale de cette folle envie ?  Si même le sage succombe, un jeune et fougueux roi doit donc redoubler d'attention pour échapper aux pièges de la séduction. 

Aquamanile - Metropolitan Museum of Art, NY    L’aquamanile est une sorte d’aiguière à usage religieux ou profane, qui servait à verser l’eau pour le lavage rituel des mains du prêtre avant la messe ou des convives avant un repas.

Sans doute conçu pour divertir la tablée dans un contexte domestique, cet aquamanile illustre la légende populaire et moralisatrice selon laquelle Aristote, philosophe grec, se laissa humilier par la séduisante Phyllis, en guise d’enseignement à l’adresse du jeune souverain Alexandre le Grand qui était son élève.  Une œuvre et une exposition à découvrir lors du cycle Expos+ 2024-2025. 

Bien que très apprécié dans la haute société parisienne du 18e siècle, le café constitue une denrée rare et coûteuse car ses grains sont importés d'Arabie.

Suite à la paix d'Utrecht en 1714, un premier plant de caféier est donné à Louis XIV par le bourgmestre d’Amsterdam. Mais l'acclimatation de cette plante exotique s'avère difficile. 

La solution viendra du botaniste Antoine de Jussieu, auteur de la première description du caféier. On lui doit l'implantation d'une serre chaude au jardin royal parisien - futur Jardin des Plantes - qui favorisera le développement des plants. Bien abrités, ces derniers prospèreront suffisamment pour être exportés en Martinique puis dans les Antilles et en Guyane.

Si cette introduction doit beaucoup à Jussieu, elle est aussi très redevable à un personnage moins connu, Gabriel de Clieu. Chargé de veiller sur le caféier lors de la traversée vers les colonies françaises, il fut contraint d'utiliser sa chiche ration d'eau pour préserver le précieux plant.

L'histoire du premier plant de caféier sera développée lors du cycle Tout connaître de Paris 2024-2025. 

Café des Incroyables - 1797 - Auteur inconnu - Paris Musées Collections      Dix années séparent la chute de Robespierre du sacre de Napoléon. Elles ont été marquées par la soif de vivre, la frivolité, l’extravagance d’une jeunesse dorée avide de plaisirs, après la parenthèse sanglante de la Terreur. Très représentatifs de cette société, les Incroyables se distinguent par le raffinement excessif de leurs tenues, volontiers exhibées en se réunissant dans les cafés. Sur cette gravure, les Incroyables se distinguent par le port d'une curieuse coiffure dite en "oreilles de chien". 

Commandées pour le décor du Muséum d'Histoire Naturelle à Paris en 1893, six sculptures en bronze devaient représenter des combats d’animaux. Professeur de dessin dans cette institution, Emmanuel Frémiet est l'auteur de plusieurs scènes associant singes et humains dont cet étonnant groupe installé à l'entrée de la galerie de Paléontologie.

Présentée sous forme d'esquisse dans un premier temps, cette lutte entre un homme et un orang-outan impressionna tant l'architecte du Museum qu'il décida de la faire réaliser en marbre.

Artiste de grand talent, Frémiet a souvent illustré l'affrontement entre l’homme et l'animal. Mais bien que doté d'armes et d'une pensée jugée très supérieure en cette fin de siècle, l'homme n'est pas toujours celui qui gagne la partie dans les oeuvres de cet artiste de renom. En outre Frémiet insiste sur la férocité de l'animal.

La cause en est une méconnaissance de l'époque sur les mœurs des grands singes. Car si cet imposant végétarien est capable de spectaculaires charges lorsqu'il se sent menacé, on le sait désormais plutôt paisible. Ce stéréotype de la férocité perdurera pourtant jusqu'au 20e siècle. Ainsi dans les années 30, Barnum n'hésitait pas à qualifier le gorille comme "la créature la plus terrifiante au monde".

Ici, le chasseur gît à côté de ses armes car il a clairement sous-estimé la puissance du singe protégeant son petit. Dominé par son gibier, il rend son dernier souffle, étranglé par la terrible poigne de l'animal tandis qu'un escargot poursuit tranquillement son chemin aux pieds de l'infortuné.

Orang-outan étranglant un sauvage de Bornéo - 1897 - MNHN, Paris. Sujet présenté en cycle Tout connaître de Paris 2024-2025

Consacré sport olympique en 1894, l'aviron est une activité humaine ancestrale. À quelques centaines de mètres de l'un des sites des Jeux Olympiques de Paris, l'Arena-Bercy, plusieurs barques exhumées dans les années 1990 témoignent de l'ancienneté de cette pratique.

Mais le sport de l’aviron n’est pas une simple imitation du rowing, l’aviron anglais. Il doit beaucoup au canotage qui se développe à Paris dans les années 1830-1840. Les canotiers parisiens pratiquent alors autant la promenade que la course. Considéré comme l’un des premiers loisirs populaires, le canotage devient aussi l’un des premiers sports athlétiques et mécaniques.

Séduit par les effets de la peinture de plein air des impressionnistes, Caillebotte réalise plusieurs scènes de canotage au tournant des années 1870-1880. La thématique se révèle particulièrement séduisante pour le peintre qui pratique lui-même l’aviron et se passionne pour les sports nautiques importés d’Angleterre. Une pratique qui sera facilitée par son acquisition d'une propriété en bord de Seine en 1881 ; située au Petit-Gennevilliers, elle se trouvait face à Argenteuil, haut lieu de yachting.

Périssoires - 1878 - G. Caillebotte - © National Gallery of Art, Washington  « Histoire des JO façon ART’Hist ; l’essentiel étant aussi de regarder 😊 »

Saison ART'Hist  2024-2025 : les pirogues de Bercy seront au programme du cycle Tout connaître de Paris et une grande exposition du musée d'Orsay mettra le peintre Caillebotte à l'honneur cet automne. 

Fils d’un titan, Prométhée avait reçu l’ordre de munir les êtres vivants d’armes pour se défendre et de moyens de se protéger. Convaincu que le feu pouvait aider les hommes, il le déroba au maître de l’Olympe. Dès lors, Zeus le condamna à être enchaîné sur un rocher, où un aigle lui rongeait le foie, qui repoussait sans cesse.

Sous le pinceau de Gustave Moreau le personnage de Prométhée semble peu affecté par son supplice ; scrutant l'horizon, la tête surmontée d'une flamme, maître de ses émotions, le héros se projette déjà vers l'avenir.

Ce mythe qui a inspiré de nombreux artistes et écrivains au fil des siècles, rejoint le sport en une parabole moderne : le progrès s’acquiert et s’expie par la douleur. Constat que tout athlète de haut niveau ne pourra nier car ses performances naissent aussi dans la souffrance.

Le mythe de Prométhée renforce ainsi la portée symbolique du porteur de la flamme qui relaie l’espoir et participe à établir un lien entre le site antique des Jeux et la ville organisatrice des Jeux, entre les Anciens et les Modernes.

Prométhée - 1868 - Gustave Moreau - Musée Gustave Moreau, Paris                                                                                                            « Histoire des JO façon ART’Hist ; l’essentiel étant aussi de regarder 😊 »

Abandonnée à sa naissance par son père qui désirait un fils, Atalante fut nourrie du lait d'une ourse puis élevée par des chasseurs. Adepte de la chasse et des sports violents, farouchement indépendante, la jeune fille ne souhaitait pas prendre d'époux. Et pour repousser ses prétendants, Atalante imagine un stratagème.

Passant pour la plus rapide des mortelles ; elle organise des courses dont le règlement est simple : ceux qui perdent meurent, celui qui gagne reçoit sa main en récompense. Seul, le rusé Hippomène gagnera la course en jetant trois pommes d’or qui distraient et ralentissent la jeune fille.

Atalante et Hippomène -  1615 -1618 - Guido Reni - Musée de Capodimonte, Naples

« Histoire des JO façon ART’Hist ; l’essentiel étant aussi de regarder 😊 »

Paris, 1864. Le professeur Auguste Duméril, responsable du vivarium du Jardin des Plantes se frotte les mains. Il vient de recevoir trente-quatre spécimens vivants d'une drôle de bestiole aquatique, l'axolotl. Dotée d'une bouille avenante et d'un éternel "sourire", la petite bête est particulièrement curieuse.

Le lot a été envoyé par le maréchal Forey qui dirige l'expédition militaire française au Mexique. Découvert tardivement par les Européens, l'étrange animal venu d'Amérique centrale est alors considéré comme une sorte de têtard. Et les têtards ne se reproduisent pas.

Mais quelques mois plus tard, l'un des axolotls se met à pondre tandis qu'un second perd ses branchies puis se transforme. Commence alors une série d'observations scientifiques qui révèleront les qualités extraordinaires du souriant batracien. L'axolotl est capable de régénérer certaines parties de son corps - les pattes, les yeux, sa colonne vertébrale et même une partie de son cerveau - ou encore de se métamorphoser en animal terrestre.

Un concept est né ; la néoténie qui se traduit par la conservation de caractéristiques juvéniles chez les adultes d'une espèce. Et un mythe est confirmé, celui d'une éternelle jeunesse (si vous possédez des branchies et l'adresse de la Fontaine de Jouvence ....)

Ce sujet sera développé lors du cycle Tout connaître de Paris, saison 2024-2025. 

Fille de riches propriétaires fonciers anciens esclavagistes, Tarsila do Amaral est née au Brésil en 1886. Issue de la grande bourgeoisie, programmée pour être une épouse obéissante et une mère exemplaire, Tarsila va pourtant rompre le carcan des traditions. En 1920, elle vient étudier l’art à Paris et s'ouvre ainsi au modernisme aux côtés des peintres André Lhote, Albert Gleizes, Fernand Léger et du poète Blaise Cendrars. Perfectionnant sa pratique de la peinture, la jeune femme évolue au sein d'une avant-garde parisienne influencée par les arts extra européens. 

Ce goût du primitivisme sera déterminant dans l'œuvre de Tarsila. Il va la pousser vers l’exploration des faces méconnues du Brésil, loin des grandes villes et de la bourgeoisie de culture européenne qui dirige le pays. Telle une cannibale, elle dévore symboliquement la culture des colons, la mixe avec l'art des autochtones pour en tirer une force nouvelle.

Absorbant puis digérant ces nouvelles sources d'inspiration, elle saura se les réapproprier afin de créer un art totalement brésilien, devenant ainsi l'une des figures de proue de cette période "anthropophage".

Une artiste à découvrir cet automne, au musée du Luxembourg, lors du cycle Expos+   Autoportrait - Tarsila do Amaral - Musée national des Bx-Arts - Rio de Janeiro

Quel drôle de choix pour un sculpteur que d'interpréter un nuage.

Corps célestes, on rêve les nuages plutôt floconneux, faits d'une ouate pétrie par le souffle du vent. Princes des tableaux de paysage, ils se sont imposés en peinture, plus rarement en sculpture. Ce qui explique peut-être le nom de cet élément, baptisé Timidité. Posé sur un socle de bois surdimensionné qui souligne sa petitesse, il évoque l'oiseau installé sur l'arbre et l'alliance des contraires, légèreté et lourdeur, lisse et brut, pierre et bois. 

Traditionnellement utilisés pour surélever la sculpture et la distinguer de son environnement, Brancusi convertit à plusieurs reprises certains socles en sculpture autonome, refusant toute hiérarchie entre le haut et le bas, entre le banal et le noble.

Sujet présenté lors du cycle Expos 2023-2024.   Constantin Brancusi - La Timidité - 1917 - Pierre (calcaire) - Socle bois (platane) - Centre Pompidou, Paris

Sanctuaire ou cellule d'enfant, espace protégé ou matrice des cauchemars, la chambre est l'espace intime ultime. Sous la plume de Proust, cette pièce devient le lieu du rêve où remontent la plupart des souvenirs enfouis du narrateur. Entre quatre murs, la magie opère, le réel se transforme pour faire réapparaitre un temps que l'on croyait perdu. C'est un peu l'histoire de la maison de tante Léonie, à Illiers-Combray.

Petite maison bourgeoise sans prétention, elle abrite depuis plusieurs décennies les reliquats de l'enfance de l'écrivain. Mais le temps passé n'avait pas épargné l'édifice et une remise en état s'imposait. C'est chose faite et dès le mois de mai, les visiteurs pourront à nouveau grimper l'escalier de bois menant aux chambres de l'étage. Au bout du couloir, la chambre du petit Marcel n'a guère changé. Le roman de Georges Sand posé près du lit et la lanterne magique sont prêts à divertir le jeune garçon de ses terreurs nocturnes. En revanche, tante Léonie a déménagé vers une chambre plus spacieuse avec la fidèle madeleine et sa tasse de porcelaine. Quand à la surface de la modeste demeure, elle a quasiment doublé en annexant la maison voisine. Un bel espace plus adapté à la déambulation et au déploiement des souvenirs du narrateur.  

Visite guidée de la maison de tante Léonie complétée par une promenade commentée dans le bourg d'Illiers-Combray, vendredi 14 juin à 14h30. Guide-conférencière : Anne Chevée

Commande du livret-promenade : Aux côtés de Marcel Proust (2 itinéraires pédestres, à Illiers-Combray et à Paris)

Edvard Munch - Jeune fille à la fenêtre -  1893 - Art Institute, Chicago.  La vie et l’art d’Edvard Munch – en particulier son œuvre emblématique Le Cri (1893 ; Musée national d’Oslo) – en sont venus à incarner les notions modernes d’anxiété. De fréquents séjours à Paris et à Berlin entre 1889 et 1893 mettent l'artiste norvégien en contact direct avec les impressionnistes et les symbolistes. La fenêtre fonctionne comme une barrière symbolique séparant l’intérieur du monde extérieur. 

Et si nous prenions de la hauteur ? Autour de Notre-Dame restaurée, phénix renaissant de ses cendres. Sauvée par la plume d'Hugo, de l'ignorance et du désintérêt en 1831 ; sauvée des flammes près de deux siècles plus tard, un soir d'avril qui restera inscrit dans la mémoire collective. 

Rendez-vous vendredi 15 mars dans les salons du Grand Monarque à Chartres, pour une conférence suivie d'un dîner. Je raconterai l'histoire de Notre-Dame avant et après Victor Hugo ; avant et après l'incendie. 

Henri Rivière - 1900 - Du haut des tours de Notre-Dame - Musée Carnavalet, Paris

Près du pont de Grenelle, une réplique de la statue de la Liberté new-yorkaise accueille les visiteurs pénétrant dans Paris depuis l'ouest de la capitale. Inaugurée en 1889, soit trois ans après la statue américaine, elle était alors installée face à l’est pour éviter deux inconvénients au président Carnot lors de la cérémonie officielle ; l'utilisation d'une barque et le dévoilement d'une statue tournant le dos à l’Élysée. 

Mais ce choix ne satisfaisait pas son créateur, Bartholdi, lequel souhaitait qu’on la dirigeât plutôt en direction de New York. Il faudra attendre l'exposition de 1937 - soit quarante-huit ans plus tard - pour que la Liberté effectue un demi-tour, cap à l'ouest. Cette vue du pont de Grenelle représente la célèbre figure dans sa position initiale, dos à l'Amérique.

Le Pont de Grenelle, vu de la maison de l'artiste, quai Louis-Blériot - après 1911 - Alexandre Nozal - Musée Carnavalet  Le circuit des prochaines Promenades parisiennes - parution au printemps 2024 - fait étape sur le pont de Bir-Hakeim, non loin de la dite-statue.

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Compagne fidèle des cuisiniers, la feuille de laurier ou plutôt son nom a aussi été utilisé par les archéologues pour désigner certaines pierres taillées au Paléolithique supérieur. Retouchées avec grand soin sur la totalité des deux faces, ces pièces étonnent toujours par leur finesse et leur régularité. 

Découverte en Charente, dans la grotte du Placard, celle-ci est sculptée dans un cristal de roche qui permet d'observer la taille caractéristique "en pelures" de l'objet, façonné par de minces enlèvements.

Cette pièce n'avait certainement pas d'utilité fonctionnelle mais probablement un usage rituel qui témoigne de l'attirance ancestrale des hommes pour la beauté du quartz. Traversé par la lumière qu'il diffracte, semblant immatériel alors qu'il est matériel, le cristal fascine l'homme depuis la nuit des temps.

Cette œuvre est présentée dans l'exposition du musée de Cluny, 'Voyage dans le cristal', sujet qui sera développé lors du cycle Expos 2023-2024. 

Feuille de laurier - Paléolithique supérieur, Solutréen (19000-16500 av.n-è) - cristal de roche - Musée d'Archéologie Nationale, St-Germain-en-Laye

Sur les étals des marchés de septembre comme sur les cimaises du musée du Luxembourg, les fruits sont à l'honneur en cette rentrée ; pommes à la Cézanne, poires bicolores selon Braque et oranges miroitantes dans la corbeille de Matisse.

Elaborant un nouveau langage - plastique pour le peintre espagnol, littéraire pour l'écrivaine américaine - Pablo Picasso et Gertrude Stein partagent la même fascination pour les natures mortes de Cézanne. Lequel avait conçu l'idée que - dans une composition - une chose compte autant qu'une autre.

Pomme ou prune, homme ou femme, sur un même pied d'égalité ! 

Nature morte aux pommes et au pichet - 1877 - P. Cézanne - Metropolitan Museum of Art, NYC

Ce sujet développé lors du cycle Expos+, en salle ART'Hist à Chartres, est lié à l'exposition "Stein/Picasso. L'invention du langage" qui se tient au musée du Luxembourg, à Paris cet hiver. 

Visages ovoïdes percés de larges yeux en amande et posés sur de longs cous, les portraits du peintre Modigliani se distinguent aisément par ces traits caractéristiques.

Héritiers de la culture classique italienne, ils appartiennent cependant à un genre peu prisé par les avant-gardes au début de 20e siècle. Modigliani en fera pourtant le cœur de ses expérimentations plastiques.

Usant d'une géométrisation d'ordre cubiste pour certains, de touches étirées évoquant le non finito de ses sculptures pour d'autres, l’œuvre de Modigliani témoigne d'une recherche constante pour concilier portrait et avant-garde.

En 1907, le docteur Paul Alexandre est le premier amateur à s'intéresser à sa peinture et à l'encourager en achetant ses toiles.

C'est à la lumière de cette rencontre décisive que sera présentée l'exposition "Modigliani. Un peintre et son marchand" au musée de l'Orangerie cet automne.

Ce sujet sera développé lors du cycle Expos 2023-2024. 

Femme aux cheveux roux - Amadeo Modigliani - 1917 - National Gallery of Art, Washington

Quête de l'instantané et fascination pour les variations de lumière associent Berthe Morisot (1841-1895) au courant impressionniste. Mais la jeune femme s'est toujours distinguée de ses compagnons par la place accordée à la figure féminine. Sa fille Julie, ses nièces, les domestiques sont les actrices de scènes intimes directement empruntées à son quotidien.

Debout dans une salle à manger, un bol dans les mains, une jeune femme dotée d'un tablier blanc nous regarde. Son visage rond éclairé d'un soupçon de sourire fait un écho malicieux au globe de la lampe voisine.  

Brossée avec rapidité par touches apparentes, cette scène d'intérieur semble en apparence inachevée. En réalité, Berthe montre beaucoup d'audace dans cette pratique du non finito. Cette légèreté de la touche et son goût pour les tons pastel lui vaudront d'être comparée à Antoine Watteau  et à son arrière grand-oncle, Honoré Fragonard.

Peintre de la vie moderne, son art a souvent été comparé au travail des artistes français du XVIIIe siècle, poussant Renoir à la qualifier de « dernière artiste élégante et «féminine» que nous ayons eu depuis Fragonard ».  L’exposition que lui consacrera le musée Marmottan en octobre se propose de rechercher l’origine de cette inspiration.

Ce sujet sera présenté en salle, à Chartres, au cours du cycle Expos. 

Dans la salle à manger - 1886 - Berthe Morisot - National Gallery of Washington 

Au pied de la maison qui abrita Balzac, un discret hôtel particulier a vu se succéder princesse, bal populaire, café-concert, aliénés et ministre turc. Démoli puis reconstruit à l'identique, siège actuel de l'ambassade de Turquie, il garde le souvenir des ombres célèbres qui firent sa gloire défunte. Guy de Maupassant (1850 -1893) est l'une d'elles.

Jeune romancier révélé en 1880 par le succès de Boule de suif, Maupassant emprunte un chemin singulier qui va le mener de la peinture des mœurs au fantastique comme en témoigne Le Horla. 

Atteint par la syphilis, il sait qu'il n'a que peu de temps à vivre et écrit de nombreuses nouvelles dans l'urgence. Mais son œuvre naturaliste va évoluer vers la noirceur à mesure que la folie le ronge. Interné en janvier 1892 à la clinique du Dr Blanche qui occupait alors l'emplacement de l'ambassade, l'écrivain meurt en juillet 1893 après un an et demi de délires provoqués par le mal qui le ronge.

Parisienne, effet de nuit - 1893 - Henri Boutet - National Gallery of Art, Washington. Surnommé le "petit maître du corset" ou le "peintre de la midinette", Henri Boutet se spécialise au cours des années 1890 dans la production d'eaux-fortes et de pointes sèches représentant des femmes en déshabillé et connaît un petit succès auprès d'un public averti. 

Seule sur le trottoir dans la nuit parisienne - situation anormale pour une femme respectable à l'époque - cette jeune personne pourrait figurer dans l'un des nombreux textes que Maupassant consacra à la prostitution. 

L'histoire de cet hôtel particulier sera présentée lors du cycle Tout connaître de Paris 2023-2024.  

Depuis des siècles la transparence du cristal de roche séduit les humains, toutes civilisations confondues. Connu depuis la haute antiquité, le cristal naturel est la plus dure de toutes les variétés de quartz. Considéré à l’égal d’une pierre précieuse, il était utilisé pour confectionner des objets d’art d’un très grand luxe et nombre d'objets princiers ou religieux témoignent de sa dimension à la fois précieuse et sacrée. 

Ces deux têtes léonines ont été exécutées à Rome ou Constantinople vers l'an 500. Travaillées dans un bloc de quartz d’une parfaite transparence, elles étaient probablement utilisées comme montants ou accoudoirs d'un trône (un ornement de ce type figure sur le siège qu'occupe le consul Anastasius en 517). Sculptées avec réalisme, percées au niveau de la gueule afin de permettre le passage d'un anneau ; elles ont même été évidées, preuve de la grande habileté de l'artiste. 

Ces pièces exceptionnelles figureront dans l'exposition Voyage dans le cristal présentée au musée de Cluny du 26 septembre 2023 au 14 janvier 2024 et lors du cycle Expos+.

Têtes de lions - vers 500 - quartz - Musée de Cluny, Paris

En ce 15 octobre 1906, le tonnerre gronde sur la montagne Sainte-Victoire et la pluie s'abat sur un homme debout devant son chevalet. Pinceau à la main, il s'obstine. Ce motif, cette montagne, ce bloc de calcaire, Cézanne en a fait sa muse. Pour l'apprivoiser,  il l'a représentée sur 87 tableaux, 44 huiles et 43 aquarelles. 

Epuisé et frissonnant de fièvre, il finit par tomber. « On l’a ramené, rue Boulegon, sur une charrette de blanchisseur et deux hommes ont dû le monter dans son lit. » Très affaibli par une pneumonie, il se relève pourtant de temps à autre pour ajouter une touche à une aquarelle installée près de lui.

Cézanne s'éteint une semaine plus tard et réalise ainsi son vœu ; mourir en peignant. Lui qui comparait la peinture à « une méditation le pinceau à la main ». 

Montagne Ste-Victoire et Château noir - Paul Cézanne - 1904-1906 - Philadelphie Museum of Art. Reprise des cours d'histoire de l'art - en salle à Chartres et en visioconférence - début octobre. 

Grand tableau illustrant la visite de Bonaparte aux pestiférés de Jaffa pendant la campagne d'Egypte, cette œuvre d'Antoine-Jean Gros est parfaitement orchestrée. Tout dans sa mise en scène désigne le héros à l'admiration du spectateur ; debout dans la lumière, vêtu du riche costume de général du Directoire, Bonaparte touche sans crainte la tumeur d'un malade de sa main dégantée. 

Mais les officiers qui l'encadrent ne semblent pas tous partager l'héroïsme de leur chef. Sur la gauche, l'un d'eux se protège même la bouche de son mouchoir ; il s'agit de Bessières, officier que le peintre connaissait bien mais envers lequel, il nourrissait un certain ressentiment. La cause ? Ce dernier s'était comporté avec une certaine condescendance à son égard lors d'une précédente rencontre.

Grand succès au Salon de 1804, le tableau réussit le double challenge de valoriser le peintre et son commanditaire tout en ridiculisant l'un de ses modèles. L'histoire ne dit pas si Bessières mit aussi un mouchoir sur son orgueil....

Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa - 5m x 7,20m - Musée du Louvre, Paris. Ce tableau sera analysé lors du cycle Tout connaître de Paris 2023-2024.